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Construido con Berta

  1. Del narcisimo y otros demonios, según Edgar Guzmanruiz

    Por Felipe Suáres / ARTERIA

    Hasta el 15 de abril Edgar Guzmanruiz da una mirada al narcisismo a través de su exposición 'Narkissos', como producto de la facilidad contemporánea del acceso a dispositivos de comunicación. Según el artista "las relaciones personales se han anulado” debido a la implementación de estos dispositivos.

    “Recuerdo una vez que quería pedir comida y el cajero me pidió que lo escribiera en el iPad que estaba al lado de él", dice.

    ¿Quién no se ha tomado una selfie frente a la playa o en un reencuentro con amigos del colegio?¿Quién se ha puesto a pensar en la cantidad de horas que pasa frente a la pantalla recibiendo rayos ultravioleta e información de diferentes páginas de internet? o ¿quién no identifica el sonido de Skype o ha confundido el sonido de su celular al escuchar el timbre de Whatsapp o Skype? Todas esas facetas las revisa Guzmanruiz por medio de fotografías, arte sonoro, instalaciones y dibujo.

    Según Guzmanruiz, para dermatólogos, oftalmólogos y psicólogos la exposición excesiva del cuerpo a los rayos ultravioleta puede producir trastornos como visión borrosa, problemas de concentración, obsesiones, hasta cáncer.

    También se produce una extraña enfermedad llamada nomofobia (acrónimo de las sílabas en inglés: no-mobile-phone phobia), una patología que sólo puede existir en el siglo XXI, que hace alusión al miedo producido por perder su celular de vista. Sin embargo, y superando las expectativas de los científicos, la tendencia ya cuenta con una comunidad que afirma ser "nomofóbico" (ver www.nomofobia.com).

    El elemento conductor de la exposición se realizó a través de una reflexión que hizo el artista sobre la técnica del claroscuro, estilo barroco que se utilizó del siglo XV al XVIII, utilizado por artistas como Caravaggio o Rembrandt, y que sirvió para ocultar información irrelevante, resaltando rasgos de los protagonistas que aparecían en la pintura.

    "Hoy las luces que resplandecen en los restaurantes, aeropuertos y cientos de lugares a los que voy son las de las pantallas, no sólo alumbrando sino llenando de información irrelevante que no se sabe a dónde va a parar", dice el artista.

    Ese estilo artístico barroco lo desarrolla en su serie 'Chiaroscuro'. La serie comenzó con un "bodegón contemporáneo" –como el mismo artista lo denominó- fotografiado con luz proveniente de la pantalla de una tableta, que daba un efecto de claroscuro.

    A esta serie le siguen retratos iluminados con pantallas de celular, computadores y dispositivos móviles. Cada foto impresa tiene el tamaño del dispositivo con la que fue iluminada cada persona. "La curaduría de la exposición fue pensada como un centro de tecnología, que muestran las piezas para que la gente sienta que está en una centro de tecnología" agrega el artista.

    También incluye selfies que fueron transformadas en dibujos, donde se resaltan elementos relevantes por medio de colores "usando la misma técnica del claroscuro", dijo Guzmanruiz. Para la serie, hizo la transferencia de fotografía a dibujo, de la que se considera por algunos unas de las primeras selfies, realizada por el fotógrafo Robert Cornelius, en 1839; también está el fotograma de Telma y Louise, donde los personajes están tomándose un autorretrato con una Polaroid, acompañadas por fotos características de varios perfiles de Facebook.

    Le sigue una instalación que representa un lago, por medio de espejos enmarcados, como si fueran pantallas, que tituló Narciso, ubicada en la mitad de la galería, que hace una apología al mito de Narciso y hace que le público pueda interctuar con la obra.

    También muestra por medio de videoinstalación Rio-chat la cantidad de información que fluye a través de conversaciones en internet como un río, con sonidos que son producidos por programas y aplicaciones que son usadas a driario en los diferentes dispositivos.

    Guzmanruiz explica que a partir de la muerte de Narciso nació en el lago el tipo de flor que lleva su mismo nombre. Además, -aclara el artista- "la palabra en griego narcótico y narcisismo existe una relación que tiene mucho que ver con el hecho de estar perturbado de la misma manera como lo estaba Narciso cuando cayó en la maldición de Némesis, haciendo que se enamorara de sí mismo".

    Caridad Botella, quien ha investigado la influencia de los dispositivos móviles y la imagen ayudó a construir el texto curatorial y resaltó que en la instalación, el artista consigue por medio del recurso del espejo "crear algo inmersivo, entre un diálogo con los sonidos del celular, con el que todos convivimos para que el cuerpo se involucre en el espacio". Es enfrentarse también a la ausencia del otro, es un presente sujeto que olvida el entorno por estar sujeto a un dispositivo

    Publicado: abril 3 de 2016 

    periodico Arteria

  2. Francisco Klinger Carvalho, artista de la casa, esta exponiendo actualmente en LIA Laboratorio, aquí una pequeña muestra de su trabajo.

  3. Muy pronto la obra del artista brasileño Francisco Klinger Carvalho estará en la galería de LIA: El faro del Tiempo.

    Klinger Carvalho nació en 1966 en Óbidos, en el estado de Pará en Brasil. Graduado en Educación del Arte por la Universidad Federal de Pará (1997), Belén Brasil; realizó postgrado en Escultura en la Academia de Arte de Düsseldorf (2000), Alemania, con orientación del Prof. Tony Cragg.

    mas información en LIA 

  4. Édgar Guzmanruiz, un artista en contra de la instantaneidad

    por María Alejandra Toro Vesga

    Un río de chats. Conversaciones públicas que ‘fluyen’ como si se tratase de agua. Un río virtual que está acompañado por sonidos que nos son familiares: el encendido de un computador, los chats de Facebook o el aviso de una llamada entrante por Skype. Las piezas corresponden a la más reciente exposición del artista bogotano Édgar Guzmanruiz, ‘Narkissos’, que expone en LA Galería.

    “La idea nació en un café en Berlín. El lugar estaba lleno, había unas 30 personas pero todo estaba en silencio. La luz era tenue y se veía cómo estaban comunicándose con gente que no estaba ahí”, cuenta el artista, quien vive en Alemania. Esos dos aspectos –la luz y la falta de contacto entre ellos– hicieron que empezara a pensar en cómo la tecnología ha transformado la manera en que interactuamos con los demás.

    Así nació ‘Chiaroscuro’ (Claroscuro), que expuso en ese país. Se trató de un trabajo en el que combinó la técnica propia del Renacimiento y el Barroco –en la que el pintor iluminaba y oscurecía ciertas partes de un rostro para dar más dramatismo– y la aplicó a la fotografía. Pero en este caso, la luz no proviene de una fuente natural –velas o lámparas de aceite–, sino de aquella que emanan las tabletas o los computadores.

    La reflexión va más allá. La instalación central, hecha a partir de 64 espejos, representa un pozo. El tamaño de cada uno de estos varía y da cuenta de esos artefactos que se han hecho ‘indispensables’ en nuestras vidas. Alude al mito de Narciso, quien se enamoró de sí mismo y se la pasó observándose en el agua hasta que una hoja cayó en esta y deformó su figura. Al darse cuenta de que ya no se ve de la misma forma decide suicidarse. “De ahí nacieron los narcisos”, continúa Guzmanruiz, quien vio que el vocablo griego ‘Narkisso’ significa narciso y también se refiere a narcótico, e hizo la conexión entre esa creciente tendencia de tomarse selfis y que para él, produce un efecto narcotizante. “El pozo es mirarse a uno mismo en sus propias pantallas”, continúa.

    Aunque es una reflexión sobre un fenómeno actual, Guzmanruiz incorporó elementos históricos como el claroscuro y las primeras selfis que se conocen. Una de estas es de 1839 y corresponde a una fotografía que tomó Robert Cornelius de sí mismo. Y técnicas manuales, como el dibujo y las fotografías, que le tomaron hasta dos horas.

    “Es importante decir no”, señala, a propósito de esa saturación de imágenes e información y de la forma como la tecnología y la obsesión por contarlo todo en las redes sociales, no solo genera enfermedades, sino que nos aleja del presente.

    “Todo lo que crea el ser humano tiene un lado maravilloso y otro que no lo es. El problema es cómo estas máquinas están condicionándonos. Necesitamos tiempo para digerir la información y la inmediatez no nos deja hacerlo”, finaliza.

     

    publicación periodico EL TIEMPO 6 de Marzo 2016

  5.  

    Blanca Botero llega con su trabajo 'Implosiones'

    Por: Natalia Díaz Brochet .

    Aunque la reflexión del planeta como hogar gravita desde hace tiempos en la cabeza de la artista Blanca Botero, el desastre ecológico que causó el derrame de petróleo al hundirse la plataforma Deepwater Horizon en el Golfo de México en el 2010, la movió a la creación.

    Ver los pájaros, tortugas y otros animales cubiertos e inmovilizados por el crudo la hizo interesarse por ese material que sale de la misma tierra, pero puede provocar esos daños irreparables, por cuenta de los seres humanos. “Como un primer ejercicio de entendimiento de ese material decidí usarlo para dibujar, pero no es fácil de conseguir. De casualidad, conocí a una persona que trabajaba en perforación y me regaló una botella doble litro de gaseosa con él.

    No fue fácil; para empezar, el olor es terrible, me irritaba los ojos, es tóxico”, comenta esta mujer que abandonó el derecho para expresarse de otra manera.

    Pasaban los días y el material no se secaba hasta que descubrió la caseína como aglutinante. “Lo que dibujo con el palo no es lo que queda finalmente porque todo trazo se engorda y sigue transformándose con el paso de los días; así que procuro hacer líneas muy finas”, comenta.

    Así surgieron los más de 20 dibujos que conforma la serie Oleoagua, una de las tres partes de 'Implosiones', la exposición que presenta en LA galería. Las otras dos son Selvando y Casatierra.

    La primera, está compuesta por unos cojines gigantes pintados con marcador negro indeleble por la artista, en los que dan ganas de botarse con la tranquilidad e intimidad que lo haría uno en su hogar.

    “Pinté las selvas que bordeaban la ribera del río cuando iba de niña a los Llanos. Volví hace unos años y está desforestada por los cultivos de arroz. Ya no hay morichales ni garceros. Es una forma de perpetuar esa selva; hacer que de alguna manera exista”, dice.

    Finalmente, Casatierra, casitas hechas en vidrio soplado de manera artesanal, son otra manera de recordar el hogar, ese fogón que reúne para compartir, conversar, relacionarse.

    “Los tres son reflexiones sobre la presión externa generada por el hombre desde la superficie hacia la tierra misma. Son viajes hacia adentro, búsquedas con sentido crítico de la proyección de algunas acciones y actitudes posibles del hombre frente a su propio hogar”, concluye Botero.

    Natalia Díaz Brochet

    publicación periodico el tiempo 15 de febrero 2016

  6. .

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    Hace unos años, al recorrer colecciones particulares en Colombia mientras desarrollaba una investigación sobre arte local, una pieza que encontré varias veces llamó mi atención. Se trataba de una hormiga compuesta en fibra de vidrio por dos moldes de cráneos contrapuestos unidos por un empalme que hace de torso, cubierta en una textura de arenas y carbón y patas hechas de ramas secas de arbustos de jazmín que sabía, desde la primera vez que pregunté por ellas, eran piezas de Rafael Gómezbarros. Lo que no supe hasta conocer al artista, era que estos solitarios invasores (por lo general, en los espacios en que las había visto, era una o a lo mucho dos hormigas) formaban parte de una instalación que ha sido emplazada varias veces desde su primera versión en 2008. Con el título de Casa tomada (el mismo del cuento recogido en el Bestiario de Cortázar), desplegadas sobre las fachadas o en espacios interiores, miles de ellas habían sido colocadas como una suerte de plaga nómade que devora los espacios que ocasionalmente irrumpe: una poderosa metáfora, silenciosa e irreversible, capaz de depredar simbólicamente algunos de los monumentos o emblemas que se suponen entre las “cosas estables”. Así, la marabunta se ha emplazado en varios lugares: desde su inicio en el Altar de la Patria en Santa Marta o la Aduana de Barranquilla, a la Galería Alonso Garcés y el Capitolio Nacional; y se ha incluido también en intervenciones internacionales como la Trienal de Caribe en Santo Domingo, la Bienal de La Habana o la Saatchi Gallery en Londres.

    Lo que transmiten estas piezas en gran número es una sensación de asedio, como un presagio de que quienes permanecen en un lugar pueden ser removidos y enfrentar forzosamente la vida errante que mueve el paso marcial, aparentemente desordenado, de estas mismas incursiones de víctimas (convertidas así en victimarios). El artista vincula lo itinerante de su propuesta con la idea del viaje, de la migración y el desplazamiento incluso globales: en un momento en que el planeta atraviesa la peor crisis de refugiados desde la Segunda Gran Guerra y se ha reconocido a Colombia como el país con el mayor número de víctimas de desplazamiento forzado interno a nivel mundial (siguiendo un informe de 2012 del IDMC), es claro que el conflicto y la muerte son los principales motores de estos flujos poblacionales. Al comentar una serie anterior, denominada Sonajeros, en 2003 (realizada también con dos moldes de cráneos humanos contrapuestos y unidos con cuerdas y fibra de vidrio a modo de instrumento musical algo macabro), Álvaro Medina señala una suerte de relación orbital, de “muerte versus muerte”, donde las formas “se atraen y rechazan como estrellas gemelas que rotan, interminablemente, la una frente a la otra”. La terrible imagen de un solo cuerpo dominado por una oposición medular o constitutiva está también en sus hormigas: no parece fácil identificar el cráneo que hace de cabeza del que hace de abdomen; cual representación bizarra de la espiral de violencia sin quicio de los últimos decenios. Recordé entonces un pasaje de un libro canónico para la filosofía, donde Arthur Schopenhauer ejemplifica la lucha universal por la dominación ¾que supone una escisión de la voluntad¾ tomando ejemplos del mundo animal: entre los más impactantes (o absurdos), está un insecto conocido por su extrema agresividad, oriundo de Australia: la hormiga-bulldog (Myrmecia), que al ser cortada en dos “(…) se produce enseguida una batalla entre la cabeza y la cola; la primera aferra con sus mandíbulas a la segunda, y esta a su vez se defiende bravamente con su aguijón. Por lo general, la lucha dura cerca de media hora, hasta que ambos contendientes mueren o son separados por otras hormigas.” (mi traducción de El mundo como voluntad y representación, tomada de una edición en italiano de un libro originalmente en alemán).

    Pero hasta aquí, comento de una propuesta en instalación de la que he visto piezas, pero ningún emplazamiento, todavía. La exhibición más reciente que Gómezbarros presenta en el Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo en la Quinta de San Pedro Alejandrino —y que simultáneamente se puede ver también en Bogotá, en LA Galería—, ha coincidido en inaugurar, en su versión de Santa Marta (a inicios de octubre de este año), con la reunión realizada en ese mismo lugar entre los titulares de las carteras de defensa de Colombia y Venezuela: uno de los varios encuentros suscitados desde fines de agosto por la crisis fronteriza, en la que centenares de colombianos, en su mayoría despojados y expulsados por la guerra interna, venían siendo deportados del país vecino y obligados violentamente a regresar. En esta, su más reciente exhibición, algunas nociones comunes, entendidas como suelo o terreno fijo, son intencionalmente removidas: bajo el título Desconfío de las cosas estables, el artista reúne piezas en cerámica, cemento y yeso, conformando instalaciones que aluden a una fragilidad o vulnerabilidad constitutivas; un componente acaso dúctil, más humano y voluble, que está en la base de aquellas cosas que suponemos fundantes, sólidas o invariables y que, por ello mismo, no lo son. En dos conjuntos de repisas adosadas al muro, Gómezbarros dispone, para una de estas instalaciones, un número amplio de cráneos humanos hechos en cerámica: en un lado, tanto la estantería como las piezas han sido pintados en negro y del otro, en blanco; aun cuando en ambas plataformas pocas se mantienen enteras o intactas. La mayoría tiene una visible abertura: ya de ranura y corte limpio o en violento tajo que los deforma o aplasta (como si antes de cocerse en el horno la arcilla hubiera recibido un golpe de machete). “Atrapados en un encantamiento de patrones”: el despliegue museográfico, tipo almacén o depósito, nos sugiere, aún si como parodia, cierto rigor de ciencia. Puede pensarse en el gabinete de un antropólogo forense: las osamentas, acaso extraídas de un desorden o ruma anterior, se exhiben dignamente organizadas y colocadas sobre el mueble para cumplir con el mínimo precepto modular que exige un archivo. No obstante, la presencia de las repisas o compartimentos, aun si la tarea es ayudar en el proceso de asignación de identidad a los cadáveres, logra darle una pátina homogénea y rasa a los restos. Una al lado de la otra, esa invariable estructura ósea multiplicada, que articula y sirve de “andamio” para sostener la flacidez de vísceras y tejido muscular del cuerpo restante, (en efecto ocurre así en la memoria civil de los estamentos burocráticos del Estado) parece merecer ante todo un número y acaso, posteriormente, un nombre: en la mirada de la administración pública, la siempre adherente e inclusiva muerte supone diluir las diferencias que suelen imponer distancias inconciliables más frecuentes entre los vivos. No obstante, el concepto de “patrón”, entendido como modelo o molde seriado en una producción, y también como la norma, el mando o autoridad que los protege o defiende, en los que el título hace énfasis, es un comentario sobre esta matriz ósea, en un primer momento desprovista de señas particulares: Gómezbarros usa solo dos cráneos como patrones para generar sus réplicas. Pero también introduce una acepción o uso del término, en su raíz latina, que en la literatura de ficción los hechiceros usan para traer a un guardián o custodio protector (como el “expecto patronum” invocado por Harry Potter para repeler a los Dementores en El prisionero de Azkaban): el vínculo inesperado con un mundo de conjuros, de poderes “sobrenaturales” u “ocultos”, sugiere para el artista el modo de empaque o presentación con el cual se reviste el funcionamiento de una ideología (o falsa conciencia), como si se tratara de un prodigioso acto de magia. Los patrones de pensamiento o de buenos modales como parte del amplio repertorio del “deber ser”: el imperativo categórico que las sociedades ponen en marcha para reproducirse así mismas, condenando fuera de ellas toda forma de incumplimiento o desviación. Varios de los tajos de la estantería negra sostienen óvalos en láminas que se incrustan en los cráneos: algunas con superficies opacas, semi-opacas, translúcidas o reflectantes, insertadas como programas informáticos directamente en el cerebro; mientras en la estantería paralela, de cráneos y repisas en blanco, estas placas son acrílicos translúcidos con colores tomados del modelo CMYK, utilizado para medios industriales de impresión (las diferencias de pigmento son ahora la aplicación de cuatro capas base, en distintas proporciones). En la era de los pixeles, Gómezbarros arma un tinglado que desmantela el teatro multicolor, presentándolo como una variante compleja de esa oposición de estanterías, sin escalas de grises. Otra instalación está compuesta por varios columpios donde las gruesas sogas se amarran a apoyos de cerámica, realizados a partir de moldes que han sido calzados sobre brazos seccionados, colocados como los “asientos de dos o cuatro manos” utilizados en primeros auxilios para sostener y transportar a una víctima, lesionada o enferma, cuando no se cuenta con el equipo o camilla para su mejor y más seguro desplazamiento: diseñados para que dos socorristas trencen sus miembros (ya agarrándose mutuamente de sus antebrazos, cuando usan dos, o cerrando los dedos alrededor de sus propias muñecas, en el caso de usar los cuatro) y trasportar así, sobre esta espontánea silla, articulada con el enlace de sus extremidades, a un/a convaleciente que viaja sentada/o en ellas. En estas versiones huecas, ligeras, dejadas en primera cocción (biscocho) y con rebordes de empalmes de moldura desprolijos, se destaca la fragilidad de un soporte que no podría resistir el peso de un cuerpo sin romperse: un modelo lúdico o paródico cuyo título, “Somos humanos”, hace énfasis en la condición particular de una asistencia precaria o insuficiente, que se mueve en el aire con algo de ironía recreativa y que puede leerse como una versión artificiosa e infantilizada de la simulada asistencia o solidaridad ante la urgencia: en verdad, nos están meciendo. Para LA Galería, el artista añade a la propuesta en sala una ruma de puños igualmente calcados y vaciados en cemento (esta vez con moldes de alginato que permiten una sola copia por matriz), reuniendo así decenas de piezas directamente copiadas sobre modelos vivos. Estos puños son emplazados como un montículo que se apoya sobre una columna: escombros o fragmentos remanentes de lo que podría haber sido una multitud combativa de la cual ha quedado solo el símbolo macizo de la protesta. A diferencia de la anterior, en esta otra instalación, titulada “Pujanza”, no hay artificio. Sin embargo, aun cuando todas estas manos cerradas son como piedras compactas y sólidas, no hay tampoco asomo de gesto triunfalista, sino una suerte de vigor paródico, sostenido con obstinación en medio de la ostensible ruina. El conjunto de propuestas reunidas parece colocado adrede bajo el signo de la sospecha: como si asomara en ellas el proceso de un desencanto medular que toma distancia tanto de la utopía como de la distopía: aun en su impecable despliegue, las obras se desenmarcan de los rieles, casillas o armazones que articulan interiormente la ciega expectativa por las promesas institucionales (que hoy parecen una suerte de industria). El “desencanto”, sin embargo, no tiene aquí relación con el hastío, la decepción o la indiferencia: se trata, precisamente, de “deshacer el hechizo” que cubre un mundo que se despliega ante los ojos como una moldura o como un ideal que el artista supone, en un sofisticado proceso de síntesis, poco más que un artificio de sombras. En su nueva alegoría de la caverna, Gómezbarros lleva a cabo un procedimiento que se acerca al que Karl Marx usaba para explicar cómo los objetos salidos de la línea de ensamblaje de fábrica habían empezado a “comportarse” como mercancías, concentrando una atención sobre ellos (como si adquirieran vida propia, de modo más o menos “mágico”) y haciendo uso de una cierta autonomía con la cual ocultan el proceso mismo de su producción (esto en el primer libro y capítulo de su monumental análisis de El Capital). Un secreto a voces que ha generado la enajenación propia de una sociedad, ya completamente entregada a un consumo escasamente crítico. Sin que el artista suscriba necesariamente las referencias a Schopenhauer o Marx (o a Harry Potter), lo que hay aquí es un ejercicio maestro de representación visual de cosas que normalmente carecen de representación. Un despliegue ingenioso e incisivo donde la des-ilusión y el des-encanto son acciones motivadoramente revolucionarias que materializan en nuevas formas la idea del velo corrido o el registro de la película en backstage: se trata de develar los secretos de una función de prestidigitación, el ardid de un truco muy antiguo varias veces reactualizado. En la instalación “La desilusión de los ancianos”, emplazadas dentro de una sala levemente oscurecida, Gómezbarros coloca de modo más espaciado una serie de manos de yeso unidas en pares, también entrelazadas como una sola pieza. Algunos elementos presentes en otras instalaciones comentadas líneas arriba, se repiten: la propuesta se sostiene sobre una estantería con soportes apuntalados en los muros, como en la primera, pero a diferencia de la instalación “Somos humanos”, aquí la unión de las manos, calcadas en cada caso de una sola persona, se da solo en los pulgares, haciendo que estas tengan contacto en el pliegue articular de las muñecas, permitiéndoles extender las palmas y los demás dedos. Una lámpara con base de prensa, acoplada a la repisas, se articula al lado de cada una de ellas buscando el mejor ángulo para su iluminación. En el momento en que esta muestra abre sus puertas en Bogotá, el mundo parece el escenario menos apropiado para los discursos de paz, mientras en Colombia, estos tienen una presencia estelar: de un tiempo a esta parte, ellos se han convertido en un programa oficial que se dispone a cerrar una etapa de más de medio siglo en conflicto. La “paloma”, como símbolo multiplicado en todas esas proyecciones sobre las paredes, convierten, en parte, ese discurso en un juego infantil sacado de un teatro de sombras, incapaces de levantar vuelo. Tanto las siluetas icónicas como las estructuras que las hacen posibles se destacan en simultáneo, sin plegarse a un discurso en favor de la guerra: como un Dziga Vertov del Siglo 21 (pienso en su obra épica El hombre de la cámara), estas imágenes de Gómezbarros toman distancia del simulacro nacional o, más bien, le permiten a este compartir el protagonismo con el desengaño, bastante vigente entre las/os ciudadanas/os que han sido testigas/os de varios procesos y diálogos de paz, como si se tratara de un único desfile (o un mismo circo). La proeza acaso completamente prodigiosa, fuera de todo embrujo o fraude, es intentar construir, tanto con la ilusión como el des-encanto ¾ambos elementos contrarios y constitutivos de otra ficción que llamamos cuerpo social¾, la Colombia inminente del post-acuerdo.

    Emilio Tarazona

    Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo, Santa Marta

  7. LA galería tiene el placer de invitarlos a nuestro BOOTH "stand" (C7 ), en la feria de arte contemporáneo PINTA MIAMI (Miami Florida), que se llevara a cabo del 2 al 6 de diciembre del 2015 en la locación:  318 NW 23rd St. Miami FL 33127

    Las personas interesadas en asistir al "VIP Preview Opening" inauguración VIP, el Miércoles 2 de diciembre de 5:00pm – 9:00pm, pueden acercarse directamente a LA gelería ubicada en la calle 77 no 12 - 03 local 101 "Bogotá Colombia" Para reclamar las respectivas invitaciones

    Los esperamos.

  8. ÁRBOL DE LÁGRIMAS

    El proyecto "Árbol de Lágrimas" busca dar a conocer desde aquí y ahora la historia de la explotación del caucho en la Amazonía y las selvas ecuatoriales africanas, mediante una "constelación de imágenes" dispuestas en un acto de montaje capaz de develar al espectador la tensión dialéctica entre sus rastros materiales del pasado y las emergencias del presente. "Árbol de Lágrimas" es una instalación , formada por dibujos, fotografia, y objetos, que hace énfasis en el montaje y la superposición de imágenes de archivo. El proyecto también comprende la primera muestra en Colombia de las fotos del Álbum de Fotografías, Viaje de la Comisión consular al Rio Putumayo y Afluentes. Encomendado por el cauchero Julio Cesar Arana en respuesta a las denuncias formuladas por Roger Casement entre 1910 y 1912, esas fotografías atestan de toda una estrategia de manipulación de la imagen, de la orquestación de la mentira producida por la Casa Arana. La exposición ha sido posible gracias al apoyo de Tierra Nueva.

    Proyecto ganador de una Beca de Creación para Artistas con Trayectoria, Mincultura 2015.

    Exposición Abierta del lunes 23 Noviembre a diciembre 20  del 2015

    Horario: Lunes a Viernes:10 am a 5pm Sábados 11 am a 5pm

  9. DESCONFIO DE LAS COSAS ESTABLES

    Rafael Gomezbarros

    Partiendo de la acción de desconfiar, dudar o temer, se plantea una narrativa visual y estética que mira con recelo estructuras mentales, las cuales socialmente se han ido incluyendo al concepto de "cotidianidad". Las tres series que componen el proyecto, son insinuaciones y simulaciones de diferentes ideas masivamente adoptadas y asumidas como propias.

    De esta forma, se propone un concepto de "Paz" que surge del ícono y del imaginario armonioso; este se convierte en un gesto que aunque tranquilo y gracioso, su peso lo mantiene anclado a la frágil realidad sugerida por el material de las piezas. Asimismo, a través de la repetición el artista explora el reconocimiento o la presencia de una variedad de patrones que determinan al sujeto en la sociedad; entonces, modelos de colorimetrías como el CMYK, hasta patrones de conducta, y comportamiento, afectan continuamente los puntos de vista, insistiendo en errores que intentan opacar la individualidad o la diferencia.

    Dentro de la duda expuesta como hilo conductor, también se somete a reflexión el concepto de resistencia en diferentes perspectivas. Por una parte, se alude a esa capacidad que tiene todo humano para sobrevivir en medio de diferentes situaciones de conflicto; igualmente, se vincula la figura del columpio como la infantil forma de fluctuar entre la tierra y el infinito, entre lo estable e inestable, entre lo que no es y lo que debería ser. Cada una de las obras que componen "Desconfío de las cosas estables", hacen parte de una serie de movimientos reiterativos similares a los musicales, los cuales intentan juzgar sutilmente comportamientos y estigmas recibidos de otras generaciones, con la finalidad de no insistir en el error, haciendo del arte un medio, pero sobretodo, un esfuerzo por nombrar lo innombrable.

    Texto escrito por: Stefannia Doria, curadora del museo Bolivariano

  10. Herencia Estancada

    CARLOS CASTRO

    Museo Zenú de Arte Contemporaneo (MUZAC)

    20 agosto / 8 septiembre 2015

    Herencia: Lo que se recibe de los ancestros. Esta es una definición comprometedora. ¿qué recibimos? Tal vez un planeta generoso aun sin comprender, una historia contradictoria entre la violencia y la empatía, cuerpos humanos olvidados como despojos. Pero ¿qué dejariamos? Tal vez lo único seria una conciencia reflexiva y, con ella, intentar hacer otras cosas con el planeta y con la gente.

    Carlos Castro nació en Bogotá en 1975 y entre tantas cosas que admiro de él, está su manera de moverse fácilmente entre ideologías y culturas, observando atentamente el lugar donde vive. En medio de una sociedad cada vez mas opulenta, se ha dedicado a escoger objetos en los espacios de desecho: en los "deshuesaderos" donde se revenden los carros bombas  en las comisarías donde se arruman los cuchillos y los "chuzos" hechos a mano. Recorre también pasajes y almacenes donde el siglo XIX todavía exhibe una anatomía empolvada, coleccionada, instalada inmóvil, en vitrinas. Los Objetos que escoje tienen como un embrujo para la mirada: orgánicos, olvidados, sin embargo han hecho parte de nuestra vida; son objetos atraves de los cuales nos asomamos a una historia en ruinas que la imagianción coelctiva no quiere afrontar.

    Pero algo sucede con estos objetos, porque Carlos Castro los ensambla y los dispone de tal manera que nos detenemos frente a ellos y así les permitimos que nos revelen su historia sin que huyamos; a partir de su belleza enfrentamos el Horror.

    Cuchillos como una corona de laurel, huesos convertidos en un animal humano, vitrales con fábulas de canibalismo, nidos que nos cuentan la historia de un ser vivo que se aferra a sobrevivir, patrullas convertidas en salones del esplendor y del despojo. La intervención en estos objetos es precisa: uno o dos se combinan con el movimiento o la musica; a veces solo uno, pero desarmado frente a al mirada e iluminado por détras, y así resultan detonantes, como unos objetos bomba para despertar una conversación apalzada y necesaria sobre lo que nos han dejado y lo que quisieramos dejar. Herencia entonces como obligacion a pensar y a actuar distinto y como derecho de los olvidados.

    Natalia Gutiérres

  11. LA Galería Arte Contemporaneo los invita a La Noche de Galerias.

    3 septiembre

    La Noche de Galerias es un espacio en donde, en simultanea, se abren las Galerias de Arte de diferentes zonas de Bogotá. Es la oportunidad de conocer las nuevas propuestas en el ambito artistico capitalino, varias galerias inauguran sus espacios y exposiciones para ser una opcion dentro de la movida de la cultura y el que hacer de las artes palsticas de la ciudad,

    esperamos su asistencia.

    http://www.nochedegalerias.co/

  12. La exposición consta de dos proyectos titulados:

    1- "Cuando los robots hicieron poesía" Instalación que incluye objetos, cine e impresión digital Año 2014 y 2015 Sala 2 Galeria LA

    2- "Retorno a casa" Instalación que incluye objetos, video e impresión digital Año 2015 Sala 1 Galería LA

    La exposición presenta estos dos proyectos que están vinculados por el uso de máquinas: digitales en el caso de "Cuando los robots hicieron poesía" y análogas en "Retorno a casa". A su vez, el vínculo entre ambos proyectos nace de preguntas que el artista se hace en torno al desarrollo de máquinas asociadas a la noción de progreso industrial y tecnológico como el robot y el automóvil de cierto modo colindantes con la sensación de la sociedad humana. Ambos proyectos pretenden abrir un espacio dedicado a la experiencia sensible y a través de ella adentrarse en meditaciones vinculadas a la historia, la memoria, la política, la economia y la ciencia sin dejar de lado una confianza en el materialismo que nos recuerda el vínculo con la naturaleza.

    Inauguración Jueves 3 de septiembre 7:00 PM

  13. Lugares plantea lo singular entendido como lugar, refiriéndose a los modos sensibles de asumir plásticamente la noción de pintura en traducciones que destacan lo singular, mostrando el proceso de cada artista en relación con su universo, con una movilidad, un desplazamiento, una disolución, algo que reitera lo problemático de una definición ontológica y como un modo político de asumirse. Cada artista evidencia su experiencia visual en torno a la pintura, resaltando la extrañeza y buscando exaltar la percepción sensorial.

  14. ARTBO

    2015

    del 1 al 4 de OCTUBRE

    Corferias, Bogotá Colombia

  15. En el marco de la exposición TESTAS de Maquiamelo.

    LA Galería los invita a un recorrido guiado en donde se comentaran las reflexiones e impresiones de las piezas de la muestra, que hacen parte de distintas exposiciones, DIVAS, MAFIOSOS, MATADORES, entre otras nos acompañara Maquiamelo.

    link evento

  16. Carlos Castro Se encuentra en la trienal de brasil representando el arte colombiano. 

    Carlos Castro está representando a Coombia en la Trienal de brasil 

  17. LENGUAS DE LUZ

    Orlando Rojas/ Juliana Silva/ Gustavo niño

    Exposición de Septiembre

  18. LA Galería tiene el gusto de invitarlos a la inauguración de la exposición “MEÑIQUE” del artista David Peña este viernes 8 de Agosto a las  7:00 PM.

  19. “Meñique” reúne un grupo de obras que especulan sobre la escala humana  a través del diálogo con disciplinas que la problematizan: astronomía,  anatomía, ergonomía, arquitectura y dibujo.

    La exposición incluye piezas recientes y otras que proceden de  proyectos anteriores. A través de múltiples estrategias formales y  referencias a elementos de diversas capas de la cultura, estas obras,  en conjunto, sugieren una genealogía de ideas recurrentes en el  trabajo actual de David Peña: los límites de la percepción y de la representación visual, del conocimiento y de la memoria.

  20. LA Galería tiene el gusto de invitarlos a la inauguración de la exposición Viejas noticias del presente del artista Carlos Castro este Jueves 5 de Junio a las  7:30 PM

  21. El proyecto Viejas Noticias del Presente está compuesto por cajas de luz con fragmentos de vitrales, dibujos y esculturas que crean un diálogo entre imágenes antiguas y contemporáneas. Estos trabajos surgen de la experiencia del artista en el sector del Bronx en Bogotá. Esta zona llena de contrastes aloja simultáneamente, un importante monumento nacional llamado la Iglesia del Voto Nacional, el punto de mayor tráfico y consumo de drogas en la ciudad, un cuartel de reclutamiento militar y una escuela pública. Las piezas que componen este proyecto sintetizan aspectos antropológicos, estéticos y simbólicos.

     


  22. Paisajes de pintores.- Siempre plato de espinacas.
    Materialismo.- Pronunciar esta palabra con horror, destacando cada sílaba.
    Artistas.- Todos farsantes. Ponderar su desprendimiento (obsoleto). Asombrarse de que se vistan como todo el mundo (obsoleto). Ganan sumas fabulosas, pero las tiran por la ventana. Se los invita con frecuencia a cenar afuera. Lo que hacen no se puede llamar trabajar. 
    Lindo.- Se emplea para todo lo que es hermoso. ¡Es lindísimo!, resulta el colmo de la admiración 
    Extraño.- Debe emplearse a cada momento: -¡Qué extraño!" 
    Gustave Flaubert, Diccionario de las ideas recibidas o de las opiniones elegantes, 1911.

    Preparar un texto erudito, con notas y contranotas que abruman pero que nada dicen a los que están en la minucia. Los lugares comunes o las ideas recibidas progresan; la pintura, por ejemplo, o la materia, por ejemplo o ver paisajes en un plato de espinacas, por ejemplo. Este proyecto busca explorar la obra de cinco artistas que trabajan alrededor de un tema que presenta una ecuación que alude a una idea recibida. ¿Una ecuación alude siempre a un lugar común? O en otras palabras: pintura + paisaje= relamido histórico. Y, ¿para que el paisaje? Paisaje y: materia, pátina, rasguño, color, matiz, sustancia, elemento, componente, cuestión, disciplina, motivo, punto, sujeto, tela, tema, trama. Estos artífices exploran su hacer desde ópticas distintas; queriendo ser paisaje y pintura sin serlo del todo. Uno apela a la visión, otro a la distancia, otro al detalle, pero todos a un terreno común representado. Pintar, esculpir, escribir, fotografiar, son verbos que acuden a una palabra que no es un verbo: arte. Como dicen por ahí, pintar es un medio, no un fin. En literatura, la descripción del paisaje es una forma retórica que se denomina topografía. El término paisaje viene también de la palabra parcela, representando un pedazo de territorio. Y, la palabra paisaje aparece hasta el siglo XVI en la lengua francesa, pues la palabra usada para denominar el concepto de lo que hoy reconocemos como paisaje era la palabra país. Es así como uno podría haber dicho: “¡Qué bonito país!” refiriéndose exclusivamente a la concepción de paisaje. Pero de alguna manera, el paisaje no existe, tenemos que inventarlo, pues lo define la distancia que se decide tomar con lo cotidiano. De alguna manera estos artistas se caracterizan por encontrarse en un lugar común o en una idea recibida que apela a una distancia con el paisaje acostumbrado.

    Carolina Cerón
    Curaduría: Carolina Cerón
    Artistas: Laura Trujillo, Juan Manuel Blanco, Alexandra McCormick, Adriana Cuellar, Sebastián Carrizosa 


     

  23. "Los colores del dinero", Luz Forero

     

     

    La artista colombo-francesa Luz Forero expone por primera vez en Bogotá una selección de obras de la serie ARgenT en la muestra Los colores del dinero, que tendrá lugar en LA galería del 6 de marzo al 19 de abril de 2014. La exposición, curada por la historiadora de arte Francine Birbragher, PhD, cuenta con el apoyo de la Alianza Francesa.

    El trabajo de Forero se inscribe en dos conceptos básicos: el dinero y la repetición. Cada obra comienza con la obtención de monedas, billetes o facsímiles que constituyen la base del cuadro, la escultura o la instalación. Una vez decide el medio a que va a utilizar, la artista pega meticulosamente cada una de las piezas en forma ordenada o aleatoriamente. Al final, el conjunto de monedas, billetes y objetos que componen la obra forman un todo que se hace visible por la acumulación de las distintas unidades. Se trata de un trabajo que invita a la reflexión no solo sobre el valor del dinero sino por lo que significa la acumulación en general.

    Luz Forero se interesa por el impacto psicológico que la acumulación de dinero – como origen de todas las otras acumulaciones – tiene sobre los seres humanos. El reconocimiento de la propia identidad ante un espejo de dinero. El dinero como origen de las mayores calamidades incoherencias y tribulaciones que nos hemos infligido. Está en el origen de las más cruentas guerras, combustible de las mayores demostraciones de ignominia, insensibilidad e injusticia, como la esclavitud, exterminio de etnias y algunos tipos de relaciones de producción. Y el dinero como medio de subsistencia, como sentido de una vida productiva, fuente de felicidad y realización de sueños. Dos caras de una moneda que representan dos territorios contrapuestos a los que Luz con una enorme dosis de ironía, los descubre y evidencia su incoherencia logrando así confrontarnos con la pregunta sobre lo que somos, enfatizándonos hasta que punto y cómo el dinero nos constituye.

    Así, a través de las obras de la exposición Los colores del dinero, la artista invita al espectador a preguntarse qué siente al verse reflejado en las monedas o en los espejos que sirven de fondo a varias de las pinturas e instalaciones, estableciendo paralelos entre el dinero y la violencia y los conflictos que estos generan: el éxito, la felicidad, el poder y los sentimientos profundos del individuo y de la sociedad; el sueño, la desilusión y el desencanto, la avaricia y la codicia, la necesidad y el miedo, los valores y la corrupción, y sobretodo, los negocios que más dinero generan: la venta de armas, la guerra, el narcotráfico, las religiones, la prostitución, el juego, la especulación, la política y el arte mismo.

     

    http://www.artnexus.com/PressReleases_View.aspx?DocumentID=27062&lan=es


     

  24. Noche de galerías

    jueves, 6 de marzo, 2014

     

    NOCHE DE GALERÍAS

    Jueves 6 de marzo de 2014.


    Los espacios Cero Galería, Del Infinito, Nueveochenta, Casas Riegner, Galería El Museo, Desborde, Doce Cero Cero, LA galería, Sketch, Flora ars+natura, y Alianza Francesa (sede Chicó) se complacen en anunciar la “Noche de galerías” que tendrá lugar el jueves 06 de marzo de 2014. Este evento convoca diferentes espacios de la ciudad, con el fin de fortalecer la oferta cultural de Bogotá y conectar al público con la escena artística nacional e internacional.

    Durante la Noche de Galerías los asistentes podrán recorrer desde las 7:00 p.m. espacios de arte ubicados en la zona norte y participar de las visitas guiadas, inauguraciones y subastas programadas para la fecha. Dentro de las exposiciones que podrán visitar, se encuentra: “Plegaria mudade Doris Salcedo, “Fisonomía del tiempode Max Gómez Canle, “Los colores del dinerode Luz Forero, “Geometríasde Guillermo Marconi, Fredy Alzate , Maximo Flores, Fabiana Imola y Ricardo Cárdenas, “Principios de propaganda” de Nadia Granados, “Setenta Veces Siete” de Juan de Dios Vargas, “Bajo una nube negra” de Fernando Zuluaga, El tiempo lo aguanta todo” de Leyla Cárdenas, “Ciudad de la Américas” de Alex Rodríguez, “3Dde Ana Mercedes Hoyos, “Tout peut arriver” de Gilbert Garcin, "Foldout Momentum Studies" de Juan Pablo Pérez, la exposición colectiva “Lenguajes en Papel” y la subasta de arte “The Secret”.


    La “Noche de galerías” cuenta con el apoyo de centro comercial El Retiro y Bogotour, quienes ofrecerán durante el evento servicio de transporte entre las galerías participantes. 

     

    Más información en https://www.facebook.com/events/645055255530328/?ref_newsfeed_story_type=regular

     


     

     

  25.  

    ¡Preparándonos para SP-ARTE 2014! (03 - 06 ABRIL)

     

    Artistas:

    Carlos Castro

    Santiago Leal

    Leonardo Ramos


    Info: http://www.sp-arte.com/galerias/la-galeria/ 

     

  26. https://www.facebook.com/pages/L-A-Galería-Arte-Contemporáneo/206360449496293?ref=ts&fref=ts

     

    El perfíl de facebook de LA Galería llegó al límite de sus amigos permitidos.

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  27. http://revistadiners.com.co/artes/12961_abre-exposicion-que-renueva-el-concepto-de-retrato/

     

    Tres artistas jóvenes presentan en LA galería la exposición “Cuerpo / Identidad / Tiempo”, en la que cuestionan el retrato fotográfico tradicional para abordarlo desde otra perspectiva.

    Un hombre que no puede verbalizar lo que piensa, acostumbrado a que la vida sea una secuencia premeditada, como que cada uno de los ocho cigarrillos que fuma al día tenga un horario inquebrantable o que el hielo deba estar acomodado por tamaño para separar los que se va a comer y los que va a usar para el whisky que toma en la noche cuando nadie más lo ve. Esa es la historia a la que se enfrenta la artista visual y comunicadora Alejandra Sarria, de 26 años, en su muestra “Habitus e iteraciones” a través de varias secuencias fotográficas y una crónica sincera y dura sobre su padre.

     

    Por Juliana Muñoz - Febrero 11 de 2014

    Revista Diners

     

    Texto completo: http://revistadiners.com.co/artes/12961_abre-exposicion-que-renueva-el-concepto-de-retrato/

     

     

  28. CONVERSATORIO

    Jueves 13 de 2014, 5:00pm

    ¡Los esperamos!

     

    https://www.facebook.com/events/218412198364998/?ref=ts&fref=ts

     

    CONVERSATORIO

    Jueves 13 de 2014, 5:00pm

    ¡Los esperamos!

    https://www.facebook.com/events/218412198364998/?ref=ts&fref=ts

     

  29. Adriana Mamorek en el MUUA

     

    Adriana Marmorek en: "La novia del viento"

    Exposición colectiva de mujeres artistas colombianas


    Lugar: Museo de la Universidad de Antioquia (MUUA)

    Inauguración: jueves 13 de febrero, 2014

     


  30. Santiago Leal en EL MUSEO

     

    Santiago Leal en: "Lengajes de papel"

     

    Exposición colectiva en Galeria EL MUSEO

    Inauguración: jueves 6 de febrero, 7:00 p.m

     

     

  31. CUERPO / IDENTIDAD / TIEMPO. Artistas:

    María Paula Durán – Gabriel Leaño – Alejandra Sarria

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      CUERPO / IDENTIDAD / TIEMPO. Artistas:

      María Paula Durán – Gabriel Leaño – Alejandra Sarria

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      María Paula Durán – Gabriel Leaño – Alejandra Sarria

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      CUERPO / IDENTIDAD / TIEMPO. Artistas:

      María Paula Durán – Gabriel Leaño – Alejandra Sarria



    CUERPO / IDENTIDAD / TIEMPO

     

    Artistas:

    María Paula Durán – Gabriel Leaño – Alejandra Sarria

     

    Curada por Ana María Lozano, esta muestra presenta el trabajo de cuatro artistas que, desde la fotografía, desarrollan proyectos relacionados con el género Retrato. Cada uno de los proyectos enfrentó en su desarrollo la manera como en Occidente se ha entendido que la identidad de un sujeto se expresa materialmente a través del rostro y del cuerpo. Sin embargo, los cuatro proyectos presentados interrogan esa suposición y se enfrentan a la pregunta por la identidad, por medio de procesos extendidos en el tiempo.

     

    Inauguración: jueves 30 de enero, 2013
    7:00 p.m
    LA galería
    Calle 77 No.12-03

     

  32. http://www.lugaradudas.org/exhibiciones.htm

    David Peña en:

    En Lugar a dudas:
    Objects in mirror are closer than they appear
    Proyecto seleccionado por convocatoria 2013.

    Curaduría: Daniel Silvo 

    Inauguración: 31 de enero de 2014 - 7:00 p.m

    En esta exposición se muestran obras realizadas con sencillos gestos aplicados a objetos cotidianos, negociando con los significados de las imágenes de una manera muy sutil. Como en el lema de los espejos retrovisores de los coches estadounidenses, el espejo deforma levemente la realidad. O quizá no tan levemente, según la tesis de esta exposición.

    Los artistas que componen la exposición son: 

    Cristina Garrido, Marlon de Azambuja, Karmelo Bermejo, Nicolás Consuegra, David Peña, Navid Nuur y Miguel Ángel Tornero.

     

    Info: http://www.lugaradudas.org/exhibiciones.htm

  33.  

    http://www.youtube.com/watch?v=-EM_jcnCzn4

  34.  


    David Peña en SAVERNACK STREET GALLERY

    February 5 - March 15

    2411 24TH ST. SAN FRANCISCO, CA 94110
    OPEN 24 HOURS


       

    •  

      Desde el 15 de enero retomamos nuestro horario habitual.
      ¡Los esperamos!
       


      Lunes a Viernes
      10:00 am - 1:00 pm / 2:30 pm - 7:00 pm
      Sábado11:00 am - 3:00 pm

       

    • Banda Sonora. Exposición colectiva artistas LA galería

       

      BANDA SONORA. Hasta el 25 de enero.

      ¡No de la pierdan!

       

       


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      ¡Gracias!


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    • LA galeria en PULSE Miami 2013

      IMPULSE Section: Carlos Castro

       

       


    • Banda Sonora
       es una muestra colectiva que se plantea en conjunto con los artistas de LA galería y que tiene como eje común la música. En esta ocasión el escuchar como impulso creativo se convierte en eje conductor entre las obras de los artistas de la muestra, a la vez que el acto de escuchar se suma al recorrido del púbico-audiencia. 

      La muestra enfatiza las posibilidades de interpretación de cada obra, ya sea bajo una impresión visual, o a través de la pieza musical, que muchas veces inspira la obra, otras la acompaña y algunas veces hace parte de ella. De cualquier modo, Banda sonora es una posibilidad de aproximación a las obras expuestas, que propone una dinámica entre el acto de escuchar y el acto de mirar, es decir, el acto de registrar lo escuchado en lo percibido. 


      Inauguración: jueves 5 de diciembre, 2013
      7:00 p.m
      LA galería
      Calle 77 No.12-03

       

      https://www.facebook.com/events/691449084221277/?fref=ts


    •  

      Blog: http://www.ultravie.co.uk/blog/2013/11/25/pinta-ny-2013-our-favourite-artworks/

    • Capilla blanca. Bogotá 12 de noviembre de 2013
      Carlos Castro

       

      Capilla blanca (Bogotá 12 de noviembre de 2013)

      Plaza de Bolivar, Centro histórico


       Artista: Carlos Castro

    • SACRUM CONVIVIUM

      Conversatorio: Ricardo Arcos-Palma y Germán Arrubla

      LA galería - Arte contemporáneo

       

      Hoy jueves 28, 6:00 p.m

      ¡Los esperamos!

       
      https://www.facebook.com/events/1485831774974414/1490268084530783/?notif_t=plan_mall_activity

    • LA Galeria, Carlos Castro en PULSE MIAMI 2013

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        LA Galeria, Carlos Castro en PULSE MIAMI 2013

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        LA Galeria, Carlos Castro en PULSE MIAMI 2013

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        LA Galeria, Carlos Castro en PULSE MIAMI 2013

    • Adriana Salazar en Cities of the Edge, Tazni Centre of Contemporary Art

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        Adriana Salazar en Cities of the Edge, Tazni Centre of Contemporary Art

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      This exhibition brings together a group of four contemporary artists from Colombia. These artworks take the viewers through an interpretation of the main themes that could define the current Colombian capital city situation.

      Bogota- A city- on the Edge is an art exhibition which selected art projects and artworks bringing into play the different city’s environment social issues, in order to show how Bogota has become an important art location. Not only identifying where we are in the world, but also showing our extemporaneous distance to the art world. In this way, the viewers that will be attending this show are going to have the chance to see the implications of being and living as an artist in a city like Bogota.

      In the context of a South American city like Bogota we must address many different subjects to understand its social absurd edges. First the political game that has been played there during the recent decades includes things such as: re-interpretation of neo liberal North American politics, hybrid pop-culture citizenship identities and fictional plans of urban modernisation. These factors have contributed to the loss of its key social goals; jeopardising the spread of further developments, to mention just a few examples -the absence of an adequate public systems of transport or a proper urban infrastructure- not because of the lack of financial resources, but the inability to cope with abusive administrations.

      The events that have been taking place in Bogota akin to science fiction stories, nevertheless those narratives that the artists have suggested as motives to create new artworks are now social realities. In some of the cases the artists have transformed those social narratives from its original referents and in other cases they have shaped their practices into social critical views. Therefore this exhibition pretends to offer a reflection about the problems inside of this city and move away from typical representations of undeveloped environments.

      This exhibition is presented in the framework of a long-term project titled Cities On The Edge, in which the ‘edgy’ position of Gdańsk is explored. The project’s point of departure is the meaning of word ‘edgy, ‘which describes contemporary culture and the states of many contemporary cities being.

      text: http://www.artslant.com/ew/events/show/304912-bogota-a-city-on-the-edge

       

      November 22, 2013 - January 19th, 2013


      More info: http://www.laznia.pl/index.php?mod=mainart&aid=61&&lang=en

      https://www.facebook.com/events/524918554258233/?previousaction=join&source=1

    • Carlos Castro - Belleza Accidental

       

      Para leer artículo completo: 

      http://www.revistaarcadia.com/impresa/arte/articulo/la-transicion-premio-luis-caballero-halim-badawi/34268

    • LA galeria en PINTA NEXT N.Y, 2013

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        LA galeria en PINTA NEXT N.Y, 2013

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        LA galeria en PINTA NEXT N.Y, 2013

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        LA Galeria - Booth PN1

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        LA Galeria - Booth PN1 - Ánima, de Adriana Marmorek

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        LA Galeria - Booth PN1 - Leonardo Ramos

       

      PINTA Next features young artists and emerging galleries selected by the full curatorial committee of PINTA New York 2013. The twenty participating exhibitors have been open under five years, recognized by the curators for their unique programs, and represent the next generation of exciting young artists. These spaces have adopted a wide range of formats – white cube galleries, roving curatorial projects, collective art studios, and artist-run spaces – to pursue their commitment of promoting emerging art in their respective countries.

    • LA GALERIA-Carlos Castro, Belleza Accidental. Proyecto nominado al VII Premio Luis Caballero

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        LA GALERIA-Carlos Castro, Belleza Accidental. Proyecto nominado al VII Premio Luis Caballero

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        LA GALERIA-Carlos Castro, Belleza Accidental. Proyecto nominado al VII Premio Luis Caballero

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        LA GALERIA-Carlos Castro, Belleza Accidental. Proyecto nominado al VII Premio Luis Caballero

       

      BELLEZA ACCIDENTAL , del artista Carlos Castro

      Proyecto nominado al VII Premio Luis Caballero, estará abierto al público hasta el 10 de noviembre.

       

      Museo Iglesia Santa Clara

      Carrera 8 # 8 - 91
      Candelaria - Centro Histórico
      Bogotá - Colombia

      De martes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm.

      Sábados y domingos de 10:00 am a 4:00 pm.

    • LA Galeria en PINTA N.Y 2013

       

      Si usted tiene previsto estar en NYC en estos días y desea tener una invitación para visitar la feria, 
      envíenos un correo a info@la-galeria.com.co para acordar la forma de entregársela.

       


    • adriana salazar

      Adriana Salazar en el 43 Salón (inter) Nacional de Artistas

      Medellín, septiembre 6 - noviembre 3

      2013

       

      ADRIANA SALAZAR (Colombia, 1980)

      Es maestra en Artes Plásticas de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá con una maes­tría en Filosofía de la Universidad Javeriana. Entre sus exposiciones individuales están Vida quieta, Espacio Odeón, Bogotá (2012); Failed Attempts, Casa Vásquez, Corumbá (2011), y Ejercicios de desaparición, LA Galería, Bogotá (2010). Ha realizado residencias artísticas en Brasil. Noruega, Japón y México. Su trabajo como artista parte de un cuestiona­miento por los gestos humanos, la relación que existe entre sujetos y objetos, y los límites entre naturaleza y artificio. Además de artista, es gestora de proyectos y diseñadora de la tienda de diseño de modas La Ropería, en Bogotá, ciudad donde vive y trabaja.

      Lugar de exposición: Museo de Antioquia

      Más info: http://43sna.com/

       


    • Crítica en directo: Belleza accidental - CARLOS CASTRO


       

      Un recorrido con Carlos Castro y Elkin Rubiano por la exposición Belleza Accidental, nominada al Premio Luis Caballero. Castro trastoca imaginarios de la Iglesia y de la policía dando un uso inesperado a objetos que vienen de estas dos instituciones: música sacra, un carro de la policía, pipetas de bazuco, elementos ornamentales y cuchillos confiscados a los habitantes del Bronx, el cual se encuentra a pocas cuadras de la Iglesia Santa Clara.

       

      Página del Premio Luis Caballero > http://premioluiscaballero.gov.co/

      Ver: CRÍTICA EN DIRECTO - ESFERA PÚBLICA

       

    • SACRUM CONVIVIUM - Germán Arrubla. Curaduría: Ricardo Arcos-Palma

    • LA Galeria - Arte contemporaneo en artBO 2013 - stand 309


    • Carlos Castro
       - PREMIO LUIS CABALLERO

      Séptima edición
      5 de octubre al 2 de noviembre de 2013

      Sobre el proyecto: Belleza accidental

      Museo-iglesia Santa Clara 

      El proyecto Belleza Accidental tiene como punto de partida la localidad de Los Mártires en Bogotá. Este sector lleno de contrastes, es testigo y resultado de los drásticos cambios que ha sufrido la ciudad a partir de mediados del siglo pasado. El proyecto surge de la investigación y la re contextualización tanto simbólica como funcional elementos que son producto de confrontaciones sociales específicos del sector.

       
      Belleza Accidental parte de objetos relacionados a las confrontaciones sociales en la localidad de Los Mártires de Bogotá. Entendiendo estos como residuos del pasado que condicionan actitudes y modos de pensamiento en el presente, la intención de cada pieza es re contextualizar, relacionar y reactivar estos objetos con la intención de generar una nueva mirada sobre ellos para establecer vínculos históricos que logren en el espectador reflexiones acerca del pasado y el presente en que vivimos. Las piezas del proyecto Belleza Accidental sintetizan aspectos antropológicos, estéticos e históricos que hacen referencia a las relaciones entre lo político y lo religioso dentro de la identidad colombiana. Así, la exposición busca cuestionar ciertos criterios y valores culturalmente aceptados, señalando la manera como se redefinen en la vida contemporánea cuando se encuentran con elementos supuestamente indeseables o no reconocidos.
       

      Texto completo: http://www.premioluiscaballero.gov.co/index.php/obras/belleza-accidental/el-proyecto/descripcion

       

      Más info: http://www.premioluiscaballero.gov.co/index.php

      Sobre el artista: click aca

      Ver trailer: http://vimeo.com/75442749

       

      Ver: CRÍTICA EN DIRECTO - ESFERA PÚBLICA

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      night as mine


      When art acts as a coping mechanism to deal with the world, consider the human condition— the disquieting and delicate complexities of existing in modern society. Somehow, we are here. We live, and we die, and then we disappear. When pressure builds up from anxiety and unspoken things, the complexity of existing increases with the lack of significance from physicality. Sometimes people bend to the concept of time; the notion of experience and feelings are lost to the more concrete things such as materiality and financial capability. Insecurity and heaviness will begin to accumulate. Time passed, and we have smaller, heavier hearts. Complexities from relationships between people—social anxiety, those who had been lost, who had been broken or come to be, when a part of them disappears. I wonder about the possibilities of keeping up, when some people succumb to the pressure can they still afford to pursue their dreams?


      Night time. It darkens, brings silence—everything is softened. It is more private, personal. There is a shift to a different dimension when you lie in bed and close your eyes. We are by ourselves, you are yours again. There had been lost, broken and defeated. But despite the somewhat darker weight that initiated our works, it was in the end to create something that could be a comfort. To find, and feel good again—to bring in something better. Night as mine refers to the personal moment of grieving and coping. It is a small consolidation of thoughts from malaise, love, obscurity and sincere reflections from making art in the age of technology and modernity.

       

       

      Yeo Yakka, Ashley

      Santiago Leal

      So-young Moon, Monica

       

      0 3 / O C T / 1 3 - 3 1 / O C T / 1 3

      Brother Joseph McNally Gallery

      Insitute of Contemporary Arts Singapore

      LASALLE College of Art

       

    • "Lo que existe, lo que no existe" - Adriana Salazar - LA Galería

       

      Conversatorio - "Lo que existe lo que no existe"

      Miércoles 9 de Octubre, 2013
      6:00 pm
      LA Galería - Arte contemporáneo

       

      Participantes:

      Karen Quintero y Camilo Rojas - Antropólogos forenses a cargo del proyecto de excavación del Cementerio Central.
      Paola Camargo - Historiadora y curadora de la exposición
      Adriana Salazar - Artista 

      El conversatorio que se propone en el marco de la exposición "Lo que existe, lo que no existe" se plantea como un diálogo entre disciplinas: el arte y la antropología forense. Quintero y Rojas han realizado una labor exhaustiva de excavaciones preventivas en un area importante del Cementerio Central de Bogotá. Salazar, por su parte, realiza un trabajo de apropiación de la superficie de los mausoleos que se acerca al ejercicio de dichas excavaciones. Ambos ejercicios, excavar y dibujar, implican un reconocimiento y una transgresión del límite entre vida y muerte que parece estar claramente demarcado en este lugar de la ciudad.

    •  

      Francisco Klinger Carvalho entre los ganadores del III Concurso Itamaraty de Arte Contemporáneo

      del Ministerio de Relaciones Exteriores, Brasil.

       

      Obra: FORMAS NAVEGATÓRIAS

    •  

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    • Lo que existe, lo que no existe - Adriana Salazar

      Lo que existe, lo que no existe - Adriana Salazar

      12 septiembre - 12 octubre, 2013

      ¡Los esperamos!

    •  

       

      Desidium, exposición de Adriana Marmorek en el MUUA 

       Agosto 22 - septiembre 27

       

      Desidium significa deseo. En latín, se dicen las "cosas cultas y las cosas sexuales" , es la lengua de la sabiduría y de lo arcano. A través de la historia occidental a las mujeres les estuvo vedado aprenderlo, pues acercarse al conocimiento contrastaba con el modelo de la feminidad. De la misma manera, su cuerpo fue objeto de sacralización, medicalización y hasta psiquiatrización. 

      La obsesión por entender el cuerpo femenino y su funcionamiento proyectó en un principio imágenes perversas y malignas alrededor de la "animalidad" de su sexo lo cual devino a lo largo de la historia en la construcción de un andamiaje social, cultural y científico que procuró proteger a los hombres y a las mismas mujeres de perderse inefablemente en los placeres mundanos. La sexualidad femenina se forjó como un misterio, de tal manera que ésta debía guardarse, protegerse y encerrarse. El tabú hacia lo desconocido, generó representaciones de lo femenino que han permanecido a través de los tiempos. En palabras de la historiadora Michelle Perrot, el sexo de las mujeres fue "imaginado, soñado y codiciado por los hombres". 

      Tantas veces expuesto, el cuerpo de las mujeres se espía, se convierte en objeto deseo. Precisamente, son estas imágenes las que invaden el conjunto de obras de Adriana Marmorek. La artista demuestra una preocupación por aquellos cuerpos femeninos fragmentados por la publicidad y los mass media. Pero es importante advertir que en ocasiones subvierte el significado mediático y se obsesiona por aquello que no está fabricado sino que se inclina por entender ese universo misterioso del sexo femenino, ese que se mantiene en la más silenciosa intimidad, en el que las mujeres se miran al espejo, celebran su cuerpo, se desean y se sienten deseadas por ese otro. Sus instalaciones y objetos registran lo expuesto y a su vez lo oculto de la experiencia femenina del cuerpo.

      Desidium, reúne diferentes piezas de la artista que se conectan a través de un hilo conductor: el deseo. Una lectura que invita a husmear por sus recovecos, a escuchar sus silencios y a mirar a través del espejo del tiempo cómo en el mundo contemporáneo aún persisten esas deseantes, deseosas y deseadas figuras de la antigüedad.

      Luz Adriana Hoyos G.
      Curadora
       

      Ver video completo: http://www.youtube.com/watch?v=S5_5KJjToQk

    • Planta #31, 2013. Instalación con fragmento de planta, madera, hilos, motores y sensor. Dimensiones variables. Cortesía de la artista.

      Adriana Salazar en el 43 Salón (inter) Nacional de Artistas

      Medellín, septiembre 6 - noviembre 3

      2013

       

      ADRIANA SALAZAR (Colombia, 1980)

      Es maestra en Artes Plásticas de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá con una maes­tría en Filosofía de la Universidad Javeriana. Entre sus exposiciones individuales están Vida quieta, Espacio Odeón, Bogotá (2012); Failed Attempts, Casa Vásquez, Corumbá (2011), y Ejercicios de desaparición, LA Galería, Bogotá (2010). Ha realizado residencias artísticas en Brasil. Noruega, Japón y México. Su trabajo como artista parte de un cuestiona­miento por los gestos humanos, la relación que existe entre sujetos y objetos, y los límites entre naturaleza y artificio. Además de artista, es gestora de proyectos y diseñadora de la tienda de diseño de modas La Ropería, en Bogotá, ciudad donde vive y trabaja.

      Lugar de exposición: Museo de Antioquia

      Más info: http://43sna.com/

       

    • Lo que existe, lo que no existe - Adriana Salazar

       

      Inauguración: jueves, 12 de septiembre de 2013 – 7:30 pm (Noche de galerías)

      Cierre: sábado, 12 octubre de 2013– 3:00 pm

       

      En la mitología griega algunos personajes tienen la posibilidad de peregrinar por el mundo de los muertos y regresar al mundo de los vivos para contarlo. Su descenso al inframundo (catábasis) constituye la experiencia de un viaje épico, como el realizado  por Orfeo, Ulises, Odiseo y Perséfone. Como resultado de su entrada al mundo de los muertos tenemos relatos orales y escritos, que constituyen las huellas de un mundo visto por el viajero. En otras mitologías, como las mesoamericanas, el chamán, viajero por excelencia, sabedor y sanador, es capaz de transitar entre tres mundos: el de arriba, el del medio y el de abajo. El viaje del héroe y el del chamán están profundamente conectados por una pulsión vital; son viajes de saber y viajes de conocimiento.

       

      El artista es hoy un nuevo tipo de viajero, puede elegir a dónde ir y hacerlo, puede hacer recorridos por distintas latitudes y acercase a las reflexiones de botánicos, geógrafos, marineros o comerciantes de otros tiempos. Puede viajar sabiendo cuándo va a regresar o sin intención de volver. Puede hacer un viaje metafórico, revisitando lo más cercano con ojos nuevos, o incluso, puede ir en busca de un mundo que hemos dejado en las márgenes del tiempo, y en este sentido el artista puede (en tanto poder y posibilidad), acercarse al universo del héroe y del chamán.

       

      Este último tipo de viaje es del que Adriana Salazar nos trae evidencia en Lo que existe, lo que no existe.  Para la artista resulta inquietante que en nuestro contexto la enorme devoción por los muertos coexista con el incesante irrespeto por la vida. Lo que existe, lo que no existe muestra un primer resultado de sus peregrinaciones al Cementerio Central de Bogotá. Los ejercicios de tiempo presentes en esta muestra nos hablan del mundo  de los muertos, pero sobretodo nos dan noticias del mundo de los vivientes que visitan este espacio situado en el corazón de la ciudad. Gracias a su trabajo es posible considerar una vez más cómo las mitologías son expresivas de un profundo deseo por hacer que lo que existe y lo que no existe estén conectados. Tal vez en la complejidad de nuestro presente llegue el instante en que podamos preguntar a la artista:

       

                                         Tú que vienes desde el mundo/ del país de los vivientes,

                                         dinos si el cielo perdura / y si existe el mundo aún.

                                         Dinos si relampaguea, / si truena y llueve y hay nubes,

                                         y si aún la Vía Láctea / corre y ondula en el cielo;

                                         si hay árboles y jardines / y si las plantas florecen,

                                         si perfuman las colinas / y si las plantas florecen,

                                         si los prados están frescos / y la brisa sopla suave,

                                         si aún brillan en el cielo / las estrellas y el lucero.

                                         ¡Si se trizara la lápida / se removiera la tierra,

                                         y los míseros se alzaran / desde sus lechos sin sol!

                                         Volviera nuestro semblante, / tornara la juventud,

                                         pudiera hablar nuestra lengua, / se escuchara nuestra voz,

                                         pisáramos en el mundo, / paseáramos por la tierra

       

       

       

      Texto escrito por: Paola Camargo



      [1] Poema funerario popular cantado por las mirologhistres o plañideras. En este poema, los muertos cantan a los vivos pidiendo noticias de su mundo. En: Castillo Didier, Miguel. Antología de la literatura Neohelénica.  Santiago de Chile: Editorial Andrés Bello, 1971, pág. 34

       

    • Adriana Salazar, Pájaro, Naturaleza que muere

       

      NOCHE DE GALERÍAS

      12 septiembre, 2013 por RevistaDC

      Es una noche para dejarse llevar, para husmear a través de diferentes mundos. Porque eso es cada artista: un mundo aparte, con un dialecto único, con formas provocadoras, con propuestas que sorprenden, recuerdan o que en todo caso se quedan fijadas en los sentidos del espectador. Es una noche, la Noche de las Galerías, en la que las colecciones de arte contemporáneo estarán abiertas hasta las 10 de la noche y el público podrá subirse en una ruta para alcanzar a visitar alrededor de siete en la zona norte de Bogotá.

      Durante el año se han realizado varias jornadas en las que las galerías abren sus puertas hasta tarde, por lo general el primer jueves de cada mes. Pero esta será la primera vez en la que el público contará con un bus y un guía para hacer el recorrido, gracias al apoyo del centro comercial El Retiro.

      “Queremos hacer de esta una zona de galerías de arte así como el WynwoodArts Districtde Miami, y acercar a las personas y grupos de coleccionistas. El norte es un lugar que se presta para eso por la cercanía de oficinas y centros comerciales”, explica Daniela Camero, de la galería argentina con sede en Bogotá Del infinito Arte. “Esta noche es para acercar a un público diferente, que quiera aprender más o que si tiene un conocimiento previo pueda acceder a nuestras colecciones. Es muy positivo que las galerías están pensando en hacer algo juntas para que el arte llegue a diferentes esferas”, asegura Daniela Sánchez, de LA Galería.

      Esa noche, el jueves 12 de septiembre, coincide en que la mayoría de galerías inaugura su exposición de la temporada. Todas comparten el gusto por el arte contemporáneo, pero cada una con su enfoque particular. Del infinito Arte, por ejemplo, se inclina por lo abstracto y le apunta a un mercado no centralizado. Por eso los artistas que acoge son, por lo general, ajenos a Bogotá, como Gabriel Botero, de Medellín, que inaugurará para la Noche de las Galerías una obra que parte de su experiencia personal, del mundo minero antioqueño, y la transforma en formatos diferentes.

      En otras galerías como Casas Riegner, Nueveochenta, Rojo Galería y La Central, habrá propuestas de artistas jóvenes, dibujo o instalación.Una de las exposiciones recomendadas es Lo que existe, lo que no existe de la de la artista bogotana Adriana Salazar en LA Galería,en la que reflexiona sobre la relación con la muerte en nuestra cultura. Es el resultado de un trabajo en el Cementerio Central de Bogotá, en el que Salazar buscó lo no evidente para desmontar los prejuicios sobre la vida y la muerte. También hizo unos ejercicios de dibujo, como calcar lápidas y replicar objetos en papel para que el espectador tuviera la sensación de estar en un cementerio de papel.

       

       

      Galerías participantes

      Del infinito Arte/Bogotá
      Cll. 77 # 12-03 local 103
      www.delinfinito.com

      LA Galería
      Cll. 77 # 12 – 03
      www.la-galeria.com.co

      La Central
      Cra. 12A # 77A-72
      www.lacentral.com.co

      Rojo Galería
      Cra. 12A # 78-70
      www.rojogaleria.net

      Casas Riegner
      Cll. 70A # 7-41
      www.casasriegner.com

      Nueveochenta
      Cll. 70 # 9-80
      www.nueveochenta.com

      Cero Galería
      Cll. 80 # 12-55

       

      Por Laura Juliana Muñoz

      texto completo: http://bogota.revistadc.com/?os_dcultura=la-noche-de-las-galerias

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      Hoy jueves 12 de septiembre de 2013: Noche de galerías

       

      Los espacios Cero Galería, Rojo galería, La central, LA galería, Del Infinito, Sextante, Nueveochenta y Casas Riegner se complacen en anunciar la Noche de Galerías que tendrá lugar el 12 de septiembre de 2013. Este evento convoca diferentes espacios de la ciudad con el fin de fortalecer la oferta cultural de Bogotá y potenciar el acercamiento del público a la escena artística local, nacional e internacional.


      Durante la Noche de Galerías los asistentes podrán recorrer desde las 7:00 p.m. espacios de arte ubicados en la zona Norte de la ciudad y participar de las visitas guiadas e inauguraciones programadas para la fecha. Dentro de las muestras artísticas que podrán visitar en el marco del evento se encuentra Ciudades infinitas de Juan Pablo Velasco (Colombia), Destinos de Michele Rothfuss (Colombia-Alemania) y Yuri Tsuzuki (Japón),
      Ensayo de Bernardo Ortiz (Colombia), Lumpen Asterismos de Julia Rometti (Francia) y Victor Costales (Bielorrusia), Xenogamia de Luz Angela Lizarazo (Colombia), Lo que existe, lo que no existe de Adriana Salazar (Colombia), Ruinas persistentes de Gabriel Botero (Colombia), Memoria y vida en cajas de Marcos Salazar (Venezuela), Escaques de Monique Savdié (Rumania-Colombia) y Talento pirata de Jaime Ávila (Colombia).

      Noche de Galerías cuenta con el apoyo de El Retiro centro comercial que prestará servicio de transporte entre los diferentes espacios. 

      Mayor información en www.elretirobogota.com/esp/?page_id=1967

    • Francisco Klinger en " Parque de transgressões"

      SIM Galería, Curitiba 


      Inauguración: 30 agosto, 2013 - 19h 

      Cierre: 28 septiembre, 2013

    • Estimadas/os amigas/os del arte:

      Invito cordialmente a la presentación del proyecto "Tras las huellas del mito Germania" (Instalación "Herencia incómoda") el 7 de septiembre a las 5 pm en la  Academia de las Artes, Pariser Platz 4, Berlín. Me alegraría mucho su presencia.

      Edgar Guzmanruiz

       


      TRAS LAS HUELLAS DEL MITO GERMANIA

      Un proyecto de Elfi Müller y Edgar Guzmanruiz


      Tras las huellas del mito Germania es un proyecto artístico sobre "Palimpsestos" urbanos (sobreposiciones) en el distrito gubernamental de Berlín. El proyecto se confronta con la ciudad de Germania "Capital del mundo", planeada por el arquitecto de Hitler, Albert Speer, en particular sobre su ideología destructiva y la posición de poder que ocupaba su arquitectura.

      El proyecto consta de dos partes: una física que consiste en un Modelo-Matrioshka Germania y una instalación Herencia incómoda, y otra de carácter performático.

      El modelo en escala 1:2500 de Edgar Guzmanruiz visualiza la "superposición" de los más importantes edificios proyectados para Germania sobre los del distrito gubernamental de la actual Berlín.

      La parte performática de Elfi Müller consiste en "guías arquitectónicas" en las que los "edificios" más importantes de Germania se hacen "perceptibles" a través de la palabra y la imagen. Las guías están acompañadas por experienciaciones espaciales y el desarrollo de mapas cognitivos.

      Partiendo de la arquitectura presente se busca hacer "tangible" una arquitectura ausente y sus persistentes consecuencias arrojando la pregunta:

       ¿Es Germania mito o realidad?

       

    • El yo: La exposición SELF del artista Leonardo Ramos Moreno

      Publicado el 27 de agosto, de 2013 por Luis Alberto Mejía Clavijo

       

      La materia es infinita e inmortal mientras permanezca en forma de punto. Como punto, contiene al mismo tiempo todas las formas, representa una cosa y por tanto puede ser cualquier cosa. Pero cuando la materia se transforma en una línea, ahí se convierte en vector y por tal motivo está condenada a la muerte. Para poder continuar indefinidamente tendría que tener una energía infinita; y sabemos por Ein-stein (Una Piedra -en el Camino-), que las cosas van perdiendo su espesor entre más se acerquen a la velocidad de la luz, entre más fuerza tengan.

       La mortalidad de los vectores en los que vivimos se agudiza cuando nos convertimos de célula a pólipo, pez, reptil, mamífero; es decir cuando nuestras estructuras se van volviendo de un punto a una línea, de una línea a una línea que contiene más líneas (como los cuernos de un venado, como un árbol, como un rayo). El yo es un punto que todos llevamos al interior de una célula, en la parte más baja del intestino delgado, es el punto que nos une con todos los seres vivos en la tierra. Ese es nuestro verdadero rostro.  

       Lo que nosotros hacemos es proyectarnos en las formas, como quién se mira en un espejo, no para ver una cara, sino para ver la fuerza de las líneas temporales, para ver los bailes de formas antes de la muerte: Yo soy eso que veo.

      Ha sido bueno contar una historia espiritual de toda la materia, representada en puntos y líneas como Kandinsky; pero también tendríamos que contar la historia en formas más semejantes a nosotros, la parte más resonante (en nuestros huesos): la Pequeña Historia de la Animalidad- que, como lo reconoce Derridá, no tiene ninguna diferencia sustancial con nosotros, puesto que todos somos grafías físicas en movimiento, huellas, cuerpos-testimonios.

       El hombre -en un proceso que no ha terminado (y ojalá que termine frustrado)- vino a reemplazar a los jaguares, los siguió y por eso vio su rostro en la luna; cazó al venado e hizo tambores con su piel; vino a comer la miel de las abejas (hombres pequeños en ceremonia). Así Leonardo porta cuernos-lápices femeninos (rojos) y masculinos (blancos), pinta con ellos; se transporta en cazador-presa. Voluntad de dejar a los otros construir su hogar temporal con nuestros huesos.

       El yo es una sustancia compulsiva, un vector que aglutina objetos físicos alrededor. Utiliza como espejo de sí mismo todo objeto con el que entra en contacto, todo lo transforma en onda de diálogo con la propia mortalidad: No es que esté hablando con alguien a mi lado, estoy hablando conmigo mismo; necesitaba de esa persona para darme cuenta de algo que yo estaba haciendo, algo que estaba pensando;  no es que sean varios personajes en una película o en un libro, es un solo personaje-espectador que se multiplica en voces que ya tengo dentro, no es que sean varias obras, es la variación de la apariencia que necesito para  regresar por algún camino y creerme la ficción de que el yo recorre caminos; Esta es, ciertamente, la única forma de vivir que tenemos mientras regresamos a la forma de punto.

       

      Luis Alberto Mejía Clavijo

       Director de Arte

       Soul Feedback Studios

       

      *Individuo significa indivisible: todo al mismo tiempo, una cosa que es todas las cosas, yo.

      Texto tomado de: http://luissioamclavijo.blogspot.com/2013/08/el-yo.html

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      EL ARTE QUE HAY PARA VISITAR

      por: Mónica Quintero Restrepo

      publicado el 14 de agosto de 2013 en El Colombiano


      Desidium

      Adriana Marmorek es una artista bogotana que ha trabajado el cuerpo femenino. En esta muestra se hace un recuento de sus obras, en el tema el deseo femenino, con un soporte en Ovidio y Homero. La exhibición presenta instalación, video, fotografía. Se inaugura el 22 de agosto en el Museo Universitario de la U. de. A, junto con tres exposiciones más: Una mirada en un viaje a Berlín de Jullian Hemelberg, Campo abierto de Tulio Restrepo y The man, the fly, the rebel girl de Inger-lise Kristoffersen

       

    • Juan Carlos Delgado en FLORA ars+natura

      "Ninguna forma de vida es inevitable"


       Info aca: http://arteflora.org/en-exposicion/201308ninguna-forma-de-vida-es-inevitabledelgado/

       

    • SELF

      Hoy se inaugura SELF

      Muestra individual del artista Leonardo Ramos Moreno
      Curaduría: Ricardo Arcos-Palma

      Calle 77 12-03, 7.30pm
      ¡Los esperamos!

    • Infinitum cuerpo de corrosiones y placeres

      Jueves 8 de agosto, 2013. 7.00pm
      Sede Nacional - Calle 92 No.16-11

      Juan David Quintero trabaja como historiador del Museo de Arte Contemporáneo, encargado de la parte de educación e investigación. Es el curador, junto a Caridad Botella, de la exposición Infinitum cuerpo: corrosiones y placeres en la galería Espacio Alterno. Siete artistas, en su mayoría mujeres, fueron escogidos para mostrar su visión del cuerpo estados de corrosión y placer. Muy amablemente atendió a Revista Sono.

      Texto completo: http://revistaculturalsono.com/2013/08/17/infinitum-cuerpo-corrosiones-y-placeres-en-la-galeria-espacio-alterno/

    • In ‘Nothing Left,’ artist Adriana Salazar finds art in what our bodies leave behind

      Posted August 2, 2013 by Carolina Miranda

      For centuries, artists have been obsessed with death. From elaborate Egyptian tombs to early Christian paintings of martyred saints — to contemporary artists, who use everything from dead sheep to stuffed goats in their work.

      One artist, however, is taking the practice a step further. Adriana Salazar creates work that examines what happens to our remains after we die. Enter the back room at the Grand Central Art Center in downtown Santa Ana and you’ll find a hushed, dimly-lit gallery. Five wooden tables display tidy rows of metal scraps. There are old screws, bent rods and small piles of rusty wires.

      Salazar retrieved the pieces from a crematorium in Orange County. The metal bits on the table are medical implants, which were once inside living bodies. “Your body is governed by laws even after you’re dead,” says Salazar. “You’re still submitted to regulations about your remains. What are your remains? What aren’t your remains? What is people supposed to do with your remains? And what is definitely forbidden?”

      texto completo: http://blogs.kcrw.com/whichwayla/2013/08/photos-in-nothing-left-artist-adriana-salazar-finds-art-in-what-our-bodies-leave-behind

    • Adriana Salazar en OCMA's California-Pacific Triennial


      OCMA's California-Pacific Triennial Is Pacific Rim, Minus Giant Robots

       

      If you blink and don't pick up the flier at Orange County Museum of Art (OCMA) announcing the three additional off-site galleries working in conjunction with the California-Pacific Triennial, you'll miss easy accessibility; a visit to Santa Ana, Orange and Newport Beach galleries, all within a few minutes of one another; and exhilarating work building on the exhibition at OCMA, as well as a pair of artists not featured there, but getting a lucky break in the outside venues.

      Grand Central Art Center's "Nothing Else Left" byAdriana Salazar is a uniquely sublime display of artificial body parts "rescued" from the trash bins of local mortuaries. Equal parts elegant and elegiac, curated with impeccable taste by GCAC director John Spiak, five beige, Ikea-style tables are lined up, then covered with tiny wires, metal screws, brackets, hinges, staples and prostheses, all charred and twisted by crematorium flames. Salazar's solemn mementos of burnt metal and porcelain, covered in soft patinas of gray, white and black are laid out with a dignity befitting their source, at each table a magnet directly under a tiny smear of metal-enhanced ash that vibrates with a life crying out, "I'm here! I'm here! Don't forget me!"

      Curator/gallery director David Michael Lee has the prettiest work on display in "ALLEGORY/cave" at the lovely new Coastline Art Gallery, but the two Triennial artists are Coastline's least interesting part of the exhibition. Dario Escobar's pool-cue sculptures look as though they're in the process of dropping from a great height (or collapsing), about to hit the floor as a jumble of rubber-bumpered, leather-tipped pick-up sticks. While his artist statement talks about Chinese manufacturing, parasitic modernity and capitalist society, the take-home is basically that the work is nice to look at. Likewise, Brice Bischoff's long-exposure photos of colored paper in movement create a rainbow palette, but they're just a variation on his Glassell Park series, this time taken at the famous Bronson Caves of Griffith Park instead of his studio.

      Much cooler is Bischoff's accompanying 58-minute video, compiling cheesy film clips from Grade-D movies (as well as a few classics, including the original Invasion of the Body Snatchers and the TV series Batman) that used the location. More exciting is Lee's addition of an artist not featured at OCMA: Stella Lai. Her rich, colorful, fully badass paintings of Chinese women in warrior stances or Japanese kitsunewomen with fox tails—often surrounded by humping pandas, ethereal Chinese ribbons, waves red as blood or vaginal flowers—masterfully demolish the cliché of Asian women as passive sexual accessories. With Lai, these women own their sexuality, their occasional nudity adding to their power (as opposed to implying vulnerability). Of course, it helps that her women wear body armor, ride tigers, and carry swords and combat sticks as they prepare to battle the West.

      Less vibrant, but as intellectually unforgettable as Salazar's work, is curator Marcus Herse's genius pairing of conceptual artists Mitchell Syrop and York Chang in "Syrop & Chang" atChapman University's Guggenheim Gallery in Orange. Violent death and the media's inability to do anything except spread fear is the exhibition's caché, and while we never see a drop of blood or hear an agonized cry, an unsettling darkness is everywhere.

      Chang's nine waist-high stacks of newspapers, headlines screaming about the 2008 Mumbaiterrorist attacks, claim the floor as the centerpiece of the show, and he has placed folded pages from The New York Times and LA Timeson a shelf near a corner. Their titles threaten "Comeuppance for Rich, At Least on Screen" and detail the massive earthquake and tsunami that struck Chile in 2010. The black backs of 36 framed Polaroids revealing only the date stamp and not the incident captured, as well as the four fluorescent light fixtures wrapped completely in black rope, are two perfect images succinctly describing modern media as darkness and little (en)lightenment.

      I didn't connect with Syrop's OCMA work, but his deliriously creepy series of 20 blow-ups of a notebook filled with antic, scribbled Sharpie ramblings ("Hands up," "I Don't/Have No/Patients," "Neither Family Knew of the Other's Existence Until," among others) have an In Cold Bloodnarrative of sorts, the abbreviated ramblings reminiscent of a stream of consciousness short-circuited by a psychotic break. In the same vein are his blow-ups of five written, erased and rewritten chalkboards, their ghostly unreadable outlines of erased words appearing behind new words, a historical palimpsest of future aggression. Needless to say: Don't blink.

      Fuente: http://www.ocweekly.com/2013-08-01/culture/california-pacific-triennial-orange-county-museum-of-art/

       

    • Vínculos imaginarios, escape imposible - Donald Daedalus 

       

      Inauguración: jueves, 18 de julio de 2013 - 7:30 pm

      Cierre: sábado, 3 de agosto de 2013 - 3:00 pm 

       

      La diversa obra del artista estadounidense Donald Daedalus (1983, New York) atiende a un discurso tanto crítico como tecnológico. En ésta, su primera exhibición individual en Colombia, Daedalus presenta piezas que yuxtaponen los conceptos de romance y física.

       

      Vínculos imaginarios, escape imposible supone cómo los deseos por la idea del trovador de amor podrían convergir en el contexto igualmente teórico de los agujeros negros. Esta colección de trabajos del artista, incluye varias formas visuales a través de las cuales cada noción podría ser entendida. Un puente entre estas dos ideas es el audio que envuelve la exposición, una versión de “Unchained Melody”, la cual va decreciendo progresivamente su velocidad original hasta detenerse, perdurando así un día entero e imaginando cómo la canción hubiera sonado si hubiera sido literalmente consumida por un agujero negro mientras viajaba en su curso, a través del tiempo. La transcripción del trabajo de audio es hecha en lámina de cobre, sugiriendo el potencial de réplica de la canción a través de la placa de impresión, así como también la repetición, que es vista formalmente en su presentación circular.

       

      Seis esculturas de vidrio y acrílico modelan el vínculo molecular de neurotransmisores que son  liberados durante el proceso de vinculación humana, tal y como la dopamina luego del orgasmo. Estos químicos funcionan para producir acciones y comportamientos en los seres humanos similares a modelos de acoplamiento de otras especies, tal y como sucede con la araña viuda negra femenina la cual se come a su aletargado compañero luego del ritual de apareamiento.

       

      Los dos trabajos más grandes de la exposición conciernen agujeros negros, por la escultura e instalación de cuerdas debajo del tragaluz de galería. El largo segmento de alambrada configura una banda de moebius, forma que demuestra cómo un objeto tridimensional puede ser hecho de un objeto bidimensional. La instalación de cuerda crea una imagen de la sombra de un agujero negro. Los dibujos de contorno muestran cómo un agujero negro ha sido visualizado, aunque teoréticamente son invisibles.

       

      Donald Daedalus ha expuesto su trabajo en Estados Unidos (Apexart y Proteus Gowanus, New York; Artist Television Access, San Francisco) y en Europa (The Wye, Berlin; The White Building, London; Annex/Manese, Zurich; Contemporary Art Center Thessaloniki, Greece). Recientemente, realizó una Residencia Artística en Campos Gutiérrez, Medellín. Ha sido galardonado con becas de The New York Foundation for The Arts, The Foundation for Contemporary Arts, The Lower Manhattan Cultural Council, Franklin Furnance y Neva Luz. Es MFA de San Francisco Art Institute, EEUU. 

       

    • Francisco Klinger en CONCIERTACIENCIA, una curaduría de Déborah Bruel y Santiago Rueda


      Lugar: Espaço das Artes
      Inauguración: 12 de julio - 6:30 pm

       

      Exposición de artistas brasileros y colombianos cuyos trabajos discuten el tránsito entre arte, ciencia y tecnología. La muestra ya se había llevado a cabo en Bogotá en el año 2012. Ahora sucede en Curitiba con el apoyo de la SESC Paço da Liberdade.

       

      Ana Bellenzier 
      Alberto Lezaca 
      Carina Weidle 
      Fabio Noronha 
      Francisco Klinger 
      Jack Holmer 
      Karen Aune 
      Michel Zózimo 
      Miguel Kuan

       

      La exposición estará abierta al público del 13 de julio al 15 de agosto. 

      Martes a viernes: 10h - 21h

      Domingos: 11h - 17h

      ENTRADA LIBRE

    • Adriana Salazar entre los 20 artistas postulados

      al Premio Sara Modiano


      Para la primera edición del Premio Sara Modiano, el artista ganador se seleccionará por medio de un proceso de convocatoria privada, de un grupo de artistas colombianos menores de 35 años – que han demostrado una necesidad financiera. Al artista ganador se le otorgará una bolsa de trabajo para un proyecto artístico específico y se le concederá acceso a un panel mixto de mentores. En el 2013 el Premio Sara Modiano será anunciado en octubre.

       

      1. Daniel Salamanca Núñez 
      2. Camilo Bojacá 
      3. Teresa Currea Moncaleano 
      4. Manuel Calderon 
      5. Leidy Chavez y Fernando Pareja 
      6. Otoniel Borda Garzón 
      7. Daniel Santiago Salguero 
      8. Alexandra McCormick 
      9. Carlos Montoya 
      10. Laura Montoya 
      11. Edwin Monsalve 
      12. Angélica Teuta 
      13. Icaro Zorbar  
      14. Nathali Buenaventura 
      15. Sandra Miranda Pattin
      16. Ana Maria Trujillo Amezquita
      17. Andres Suarez 
      18. Kevin Simon Mancera  
      19. Adriana Salazar 
      20. Santiago Reyes Villaveces

       

      Para más información, visitar: http://es.saramodiano.org/premio2013

    • Santiago Leal en la exposición colectiva Hasta el gato en Galería el Garaje

       

      Inauguración: miércoles 10 julio 2013 - 7:00 pm

      Exposición: del 11 julio al 30 agosto 2013

       

      Con la participación de Alejandro Sanchez Suarez, Sebastián Zambrano, Felipe Zapata, Diana Diana M. Beltran, Santiago Ayerbe, Daniela Gutiérrez, José Alejandro Gómez, Roberto Romero, Liana García, Liliana Gonzáles, Mauricio Gómez, Lopa Avila, Armando Mesias, Nicolás Ojeda, César León, David Rugeles Margareth Mariño, Cristiam Fajardo, Alejandro Londoño, Alicia Garavito, Mauricio Vega, Leonardo Guayán, Daniel Guzmán Flor, Ernesto Soto, Nicolás Williamson, Diana Beltrán, Diego Gutiérrez, Camo, José Alejandro Michelsen, Roberto Carlos Jiménez, Santiago Leal, Andrés Floglia, Ortegate, Camilo Bedon, Daniel Caro. 

       

      Galería el Garaje
      Calle 70 # 4 - 17
      Bogotá - Colombia

       

    • La arqueología del amor por Fernando Gómez Echeverry

      Artículo del diario El Tiempo sobre la exposición Ánima de Adriana Marmorek - 6 de julio de 2013 

       

      Fuente: http://www.eltiempo.com/opinion/columnistas/fernandogomez/la-arqueologia-del-amor-fernando-gomez-columnista-el-tiempo_12912260-4

       

      El amor está lleno de reliquias; hay gente que guarda cartas, poemas, flores o manteles. Algunos guardan jabones de motel, ropa interior o –como Mónica Lewinsky, la becaria de la Casa Blanca en tiempos de Bill Clinton– un vestido con una mancha delatora, que se convirtió en el mayor escándalo sexual de los Estados Unidos. Adriana Marmorek explora ese aspecto físico y esotérico del amor en una fascinante y romántica exposición en LA Galería (calle 77 No. 12-03). Porque no cabe duda: Marmorek es una romántica, pero también es realista, y toda su obra es una mezcla de nostalgia, erotismo y desencanto.

      La pieza principal de la muestra es una fabulosa flor de cristal sacada directamente de El jardín de las delicias. En la pintura de El Bosco, la flor es una especie de urna de cristal en la que dos amantes se acarician sin pudor. Marmorek reproduce la pieza, pero, en lugar de introducir dos figuras humanas, se deja llevar por la poesía y pone a flotar dos laminillas de oro impulsadas por un mecanismo que les inyecta aire comprimido. Las laminillas empiezan a flotar y a ejecutar una especie de danza, se unen y se “besan” como una pareja, pero también empiezan a desgastarse, se estrellan contra las paredes de cristal y, en algún momento, una de las dos se rompe con una violencia que roza la desgracia. Ese mismo principio de amor-destrucción está en otra pieza: una máquina que imprime todos los tuits que hablan de amor y luego los convierte en tiras de papel. Y del amor y la desgracia es posible pasar a la nostalgia y al erotismo. Hay una colección de jabones de motel, un reliquiario de frascos de cristal en los que hay fotos de objetos que una serie de personas desconocidas le enviaron a Marmorek para hablar de sus amores pasados: desde un botón perdido de una camisa de un encuentro sexual tres años atrás, hasta una bufanda.

      Pero la pieza más perturbadora de esta particular arqueología del amor es una colección de 36 condones –o, mejor, 36 anillos: los restos de 36 preservativos usados– de una relación de la que sabemos poco: solo las fechas y las horas de cada encuentro, ubicadas justo debajo de cada caucho. Y para cerrar ese ciclo del tiempo hay una pieza de varios relojes de arena que, cuando terminan su ciclo, activan un mecanismo que los golpea sin llegar a romperlos: un eficaz recordatorio de que, incluso, el amor debe cumplir ciertos horarios.

       


    • Adriana Salazar - Nothing Else Left


      2013 California-Pacific Triennial Partnership with Orange County Museum of Art 
      Julio 6 - Septiembre 22, 2013

       

      Is there an end to our existence? Can we be separated from our bodies and be transformed into something else? Adriana Salazar's work has continued to revolve around these questions in different ways. This is why the realm of mortuary customs appeals to her: it presents numerous ways to approach the ultimate unknown.

       

      Her past series of works have attempted to bring inanimate objects to life; crystalize human actions into mechanical devices; worked to blur the line that separates the natural and the artificial. Death has been an ever-present part of her work, understood in a broader sense, in her own words, "I want to address death as a dare to the certainties of knowledge, and as a challenge to deeply rooted traditions. Thus, my work has taken its course transforming mechanical actions, obsolete objects, fading plants and passing life into installations and objects that could become questioning situations themselves."

       

      For this current series, created during a two-month residency at Grand Central Art Center, the artist desired to go deeper into that moment of transition between life and death, finding out as much as she could about what happens with our bodies, with our consciousness and with everything we build around the death of others. In her words, "I found, amongst other things, that there is an aesthetics of transition, that there are rituals trying to maintain life after death, and laws which govern our bodies, even when we are not fully present. I also found out that there are transitional techniques and an intricate industry around them."

       

      Some of these techniques of transition have the purpose of dematerializing the body - its physical presence, associated to life and its impermanence - replacing it with a different kind of immaterial presence. In the crematory, a compartment ignites at a very high temperature until the body is almost entirely dissolved. In order to secure the transparency of this transition, all particles of bone are carefully separated from any other solid object that might exist in our remains. These foreign bodies - implants, replacements, metal bodily parts, and every sign of our artificial self - must be removed. All that is left are bones, which are then reduced to the size of grains of sand. These remains are kept in homes, spread at symbolic locations, interned at traditional burials site, or used in other creative manners. The artificial parts, on the other hand, are usually recycled for their metals or tossed away.

       

      Salazar has decided to rescue as many cremated artificial body parts possible. These parts remain as solid as they were inside their bodies and are nevertheless considered residue. She found their value in this very ambiguity. They embody the question of the status of our own existence on a physical level: their materiality creates confusion between those objects as parts of a physical body and our own body, thus opening the gap between our certainties and uncertainties, beyond the matter of human death itself.

       

      The simple presence of these objects puts the status of life into question, allowing us to see, on one hand, the death of usage and value as something applicable to our own bodies. They allow us to see, on the other hand, the possibility of our existence as purely impermanent, earthly and physical. They allow us to see our possible becoming.

       

      Calendario de eventos:

      http://www.ocma.net/index.html?page=sp_events#California-Pacific_Triennial_Artists_Panel

    • David Peña y Carlos Castro en Retrospectiva del Salón de Arte Universitario 


      Los invitamos a la retrospectiva del Salón de Arte Universitario, que se llevará a cabo del 27 de Junio al 2 de Agosto en la Academia de Artes Guerrero, en la cual han participado cerca de 230 jóvenes artistas provenientes de 16 instituciones especializadas en arte, de nueve ciudades del país. 


      Con la participación de Tot, David Peña, Saír García, Lorena Díaz, Fabian Cano, Rafael Flórez, Jean Barbato, Saul Sánchez, Carlos Castro, Marco Mojica, Jessica Ángel , Julián Santana, Norman Botero, Alex Rodríguez, Eduard Moreno, Fernando Pertuz, Santiago Escobar, Rodrigo Echeverri, Camila Echeverría, Oscar Danilo Vargas, Andres Frix Bustamante, Luis Hernández Mellizo. 


      Una curaduría de Christian Padilla

       

      Fecha:  Jueves, 27 de junio - 7:00 pm

      Lugar: Academia de Artes Guerrero

    • Conversatorio Ánima, con Adriana Marmorek y Paula Silva

      LA galería desea invitarlos al conversatorio en torno Ánima, muestra individual de Adriana Marmorek. Contará con la participación de la artista en cuestión y la curadora Paula Silva. Próximo jueves 20 de junio, a las 6:00 pm. 

       
      En esta exposición que marca un giro en su trabajo, Adriana Marmorek aborda los diversos procesos que emplean las personas para llamar al recuerdo de una relación que ya terminó. Esto da pie para una serie de exploraciones sobre la materialización del recuerdo y la fantasía, la encarnación del otro en un objeto inanimado y la suspensión del tiempo y la continuidad de la imagen que implica el acto de remembranza.

       

      Hora: 6:00 pm
      Lugar: LA galería Cll. 77 No. 12 - 03 Tel: (57 1) 4673348

      ENTRADA LIBRE



      Nos acompañarán: 

      Adriana Marmorek

      Paula Silva


      ¡Los esperamos!

       

    • Galerías seleccionadas para artBO 2013

       

      A continuación, la lista de las galerías seleccionadas para participar en artBO Feria Internacional de Arte de Bogotá 2013, que se llevará a cabo del 25 al 28 de octubre.

       

      http://www.artboonline.com/contenido/contenido.aspx?conID=1953&catID=470

    • Ánima - Adriana Marmorek

       

      Inauguración: jueves, 6 de junio de 2013 - 7:00 pm (Noche de Galerías - Zona Norte)

      Conversatorio: jueves, 20 de junio de 2013 - 6:00 pm

      Cierre: sábado, 13 de julio de 2013 - 3:00 pm



      Si en su obra anterior Adriana Marmorek se había concentrado en indagar lo que ella misma llamaría la arquitectura del deseo, quizás sería posible afirmar que esta exposición se compone de nuevos trabajos que ahora demuestran un interés por investigar lo que sería una arquitectura, o mejor, un mecanismo del amor.

      Estas obras se preocupan por explorar asuntos tan elusivos y a la vez fundamentalmente esenciales en la interacción humana como los procesos que hacen posible la activación del recuerdo de una persona a partir del contacto con un objeto inanimado; o los múltiples desplazamientos de espacio y tiempo que atraviesa una persona en la búsqueda del recuerdo del otro amado; o la experiencia mística que implica encontrar el recuerdo del otro o activar una fantasía.

      Ánima es una exposición que empieza a preguntarse por los límites o las diferencias entre el recuerdo y la fantasía, y que se preocupa por la forma como las personas empiezan a otorgarle poderes mnemónicos a objetos que luego se animan en la remembranza de una persona o un instante. Si bien Marmorek nunca había planteado el tema del deseo en relación con el amor antes, los límites o las diferencias entre ambos sentimientos empiezan a borrarse en esta nueva exploración.


      Paula Silva

       

    • Paisajes intervenidos

       

      Artistas:

      David Peña

      Cássio Vasconcellos 

       

      Inauguración: jueves, 2 de mayo de 2013 - 7:30 pm

      Inauguración organizada por Fotomuseo: miércoles, 8 de mayo de 2013 - 8:00 pm

      Cierre: sábado, 1ero de junio de 2013 - 3:00 pm

       

      En el marco del V Encuentro Internacional de Fotografía FOTOGRÁFICA BOGOTÁ 2013 “Panorama del Paisaje” organizado por FOTOMUSEO que tendrá lugar entre el 4 de Mayo y el 15 de Junio, la sala de exposiciones LA galería presenta la exposición Paisajes intervenidos, compuesta por los artistas Cássio Vasconcellos (Brasil) y David Peña (Colombia).

       

      Las fotografías que reúne esta exposición, tienen como punto de partida la emblemática y extensa línea horizontal que atraviesa un terreno de un extremo al otro y que de manera implacable sobre la imagen, configuran un paisaje. Si de repente nuestra mirada se sitúa en un lugar inesperado y la línea del horizonte –que en realidad no es una línea como tal- la ondulamos y la disipamos sobre el terreno, las palabras referidas a ese paisaje se transforman en términos ya no territoriales del escenario registrado sino a preguntas hacia quien percibe y quien captura la imagen. Así, la frontera ya no es una cuestión territorial sino perceptiva con respecto a nuestra forma de reconocer un lugar y de leer las imágenes; la geografía pasa de ser la descripción del terreno a ser la escritura de unos matices y tonalidades invertidas; y el mapa, más allá de ser una representación espacial, es un método para trazar sobre la superficie.

      Los procedimientos de construcción de la imagen fotográfica sufren algunas alteraciones para que a manera de sismógrafo sobre el territorio, la imagen se configure minuciosamente. La primera alteración consiste en trasladar la perspectiva del paisaje hacia el descubrimiento de la textura del terreno; la segunda, se vale de la idea de la fotografía como contenedora de información para potenciarla como un lenguaje autónomo.

      Cássio Vasconcellos, amante de los helicópteros, observa el espacio en ángulo cenital. Si bien, sus imágenes Aéreas son el resultado de una exploración del espacio, el descubrimiento del lugar nos presenta superficies con miles de texturas que dibujan un territorio del cual ya no tenemos otra referencia. El paisaje que reconocíamos por contextos ajenos a la forma geográfica, aparece a manera de trazos sinuosos, rectas sin fin de recorridos trazados, vertientes a modo de quiebres sobre la imagen y múltiples tonos del relieve.

      Por su parte, David Peña construye algunos de los volcanes más reconocidos del mundo, a partir de la información invertida del territorio. Los mapas de relieve, utilizados para la simulación de la geografía, son una manera tergiversar estos paisajes y de mutar las representaciones tradicionales hacia una imagen que desconcierta nuestra manera recurrente de ver. 

      El espacio es aquí representado por sistemas controvertidos de la lógica visual, en donde la observación no es pasiva sobre un lugar sino que implica la comprensión del ángulo y del procedimiento de creación de la fotografía. El paisaje se manifiesta como una construcción objetiva, que en vez de presentarnos un lugar atravesado por un discurso subjetivo que tiene su raíz en la experiencia del tránsito, nos propone una aproximación diferente al dislocar los métodos de representación y al jugar con la mirada sistematizada sobre las imágenes.


      Laura Muñoz Sánchez

       

      Cassio Vasconcellos Campos (Brasil). Comenzó a trabajar como reportero gráfico en la revista Isto É, en 1984. Trabajó en el periódico Folha de S. Paulo, en 1988, y vivió temporalmente en París en 1989, trabajando como freelancer para este periódico y para la casa editorial Editora Abril. En 1990, hizó trabajos de publicidad para la agencia DPZ Propaganda. Poco después, fundó su propio estudio, especializado en fotografía aérea. Paralelamente a esta actividad, desarrolló proyectos experimentales sobre las intervenciones destinadas a desviar la imagen fotográfica de su carácter documental. A partir de entonces comenzó a ocuparse cada vez más de sus propios proyectos, publicando algunos libros entre los cuales se destaca Paisagens Marinhas, libro que recoge fotográfías formadas por restos negativos atados con cinta adhesiva y calor, técnica que entre otras se manejaba en el cuarto oscuro y otorgaba a la imagen final una apariencia de grabado. Fue galardonado con el Premio Nacional de Fotografía por la Fundación Nacional de Arte (Funarte) en 1995, el JP Morgan Premio de Fotografía, en 1999, y el Porto Seguro Premio de Fotografía, en 2001. Fue galardonado con el premio a la mejor exposición del año por la Asociación Paulista de Críticos de Arte (APCA), por su exposición Noturnos - São Paulo, de la que se originó el libro del mismo nombre. Entre sus últimas exposiciones se encuentran NOCTURNOS 2010, Edificio Central de Correos, São Paulo, Brasil; y CORRESPONDENCIAS VISUALES, Galería Zipper, São Paulo, Brasil.

       

      David Peña Lopera (Colombia) Bogotá, 1981. Maestro en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia y MFA del San Francisco Art Institute, maestría que cursó como becario Fulbright – Ministerio de Cultura. Ha sido docente de la Universidad Nacional, la Universidad Jorge Tadeo Lozano y la Universidad Javeriana. A través de medios diversos que incluyen el dibujo, la programación, la escultura y el video, su obra busca interrogar regímenes de representación y conocimiento que incluyen la geometría, la cartografía y el documental. Su obra ha sido expuesta en seis muestras individuales y más de treinta colectivas que incluyen: Forma y Función, LA Galería, Bogota (2011); Peste, con Liliana Sánchez, Alianza Colombo Francesa sede centro, Bogotá (2012); Tránsitos, Laboratorio interdisciplinario para las Artes, Bogotá (2012) e Invenciones Modernas, Cámara de Comercio Chapinero, Bogotá (2011) 

       

    • Adriana Salazar conversa en Zona C con Jaime Cerón

       

      Este próximo jueves 2 de mayo, a las 5:00 pm, Adriana Salazar estará conversando en la franja académica denominada Zona C junto a Jaime Cerón en los espacios de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. 


      Fuente: https://www.facebook.com/groups/60780926862/

       

      Los invitamos a participar de la franja académica denominada "Zona C", cuyo objetivo principal es contar con un espacio en el que nos encontremos y reflexionemos sobre las prácticas que se realizan en las distintas áreas del Programa de Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.

      La "Zona C" es un lugar de encuentro y una zona abierta, critica, plural, amena, afectuosa, entretenida, en la cual podamos compartir con personas del campo del arte y otros saberes que nos ayuden a abrirnos a nuevas visiones, pensamientos y prácticas en torno al arte y a la formación artística.

       

    • Santiago Leal exponiendo en el Jardín Botánico con la serie Ilusiones Expansivas Efímeras. 

       

      La serie Ilusiones Expansivas Efímeras cuestiona límites y fronteras naturales o artificiales presentes en el cotidiano que modificando las relaciones que se tienen con personas, animales y objetos. 

      Socialmente se establecen líneas divisorias para evitar choques creando fronteras, para que el adentro conviva con el afuera. Al generar normas o patrones de conducta hacia un tema, la ilusión de lo desconocido y de lo intangible se pierde. El cerebro plasma cada circunstancia en una categoría inamovible o con movilidad restringida, para entender lo que no nos es propio. Pero estos limites inertes son maleables, y con el paso de nuevos conocimientos o acontecimientos van perdiendo importancia y se modifican poco a poco, poniendo a tambalear certezas absolutas en el pasado. 

      El proyecto quiere explorar fragmentos del universo para hacer representaciones de la exploración del mundo, haciendo énfasis en los mecanismos sociales y en el poder de fenómenos naturales.

      Jardín Botánico 
      Domo de la Subdirección Educativa y Cultural 
      Calle 63 No 68 -95

    • Variaciones inconclusas – Alexandra McCormick

       

      Inauguración: jueves, 18 de abril de 2013 – 7:30 pm

      Cierre: sábado, 27 de abril de 2013 – 3:00 pm

       

      LA galería – arte contemporáneo presenta su tercera exposición del año, Variaciones inconclusas, muestra individual de la artista Alexandra McCormick (Cúcuta, 1978). A través de dibujos, fotografías e instalaciones, la artista nos revela sus más recientes intereses plásticos los cuales giran en torno al tiempo, la naturaleza, el paisaje y el territorio.

       

      Variaciones inconclusas

       

      La naturaleza tiene un tiempo que bien parece guardar las proporciones de su paisaje, reconoce y hace suyo no el conteo habitual de la humanidad –que por demás también contiene–, sino el del discurrir orgánico. Son tiempos de vida, que dilatados se presentan unas veces, y algunas otras parecieran evaporarse inmediatamente; son tiempos que se nos escapan si no estamos prestos a detenernos y seguirlos, a volvernos parte de ellos. Alexandra McCormick, en su trabajo, da ávida cuenta de esa relación generosa que tiene con los posibles lugares del ver y del acontecer, en cada uno de sus proyectos sigue el curso del horizonte y recorriéndolo como quien se reconoce, entiende su posición de testigo y posesor, así de paradójico, así de potente. Nada se posee porque es imposible hacerlo, mas todo está ahí, justo ante nuestros ojos y en el conjunto de huellas que quedaron de esos intentos de sentirnos dueños.

       

      Son sus piezas poderosos dispositivos de memoria y variaciones de un mismo deseo y preocupación, aquella necesidad de registrar el mundo y sus usos, pues no sólo se permite emocionarse con el paisaje amplio que ve, sino que entiende cómo este mismo, gracias a los giros de la vida humana, se ha vuelto un papeleo de posesiones y agenciamientos. Se sirve de la luz como materia y metáfora en sus fotografías, dibujos y objetos de intercambio; evidencia el valor poético de una pérdida bien sea mueble o inmueble al renombrar objetos y al instalar en el espacio, con lo que se modifican nuestras percepciones, y nos hace por fin entender que no hay nada inconcluso, sino que la vida natural posee esa capacidad gestante –así como su obra– que no coincide con el humano punto final.

       

      .amz.

       

    • Marca no registrada, una exposición de Livia Marín en Fundación Teatro Odeón. 

      Curaduría: Beatriz Bustos. 


      La FTO tiene el gusto de invitarlos a la exposición "Marca no registrada", de la artista chilena Livia Marín, muestra curada por Beatriz Bustos Oyanedel (Chile).

      El trabajo que Livia presentará en el espacio comienza con una observación de la estructura y de las superficies del edificio. Nos invita a reflexionar en torno a las ideas de la huella y del residuo –que de modo relevante caracterizan la identidad actual del espacio. El proyecto resalta las marcas que han ido quedando tras los sucesivos cambios que ha sufrido el edificio a lo largo de su historia y que hoy forman parte de la vida actual de éste. El desafío del proyecto es dar forma y visibilidad a la fragilidad y precariedad propias de una huella. En esta búsqueda el proyecto trabajará sólo con elementos que forman parte del edifico (vestigios, restos, residuos, improntas) sin traer objetos de afuera, imaginarios o historias externas. De esta manera, el edifico como tal se vuelve en sí un ejercicio de vestir marcas y trasladar residuos que dialogan con la heterogeneidad propia tanto del Espacio Odeón como de la realidad Latinoamericana. 

      "Marca no registrada" entrecruza dos series de trabajos: una está basada en la antigua técnica de doradura (aplicación de hojas de oro sobre superficies de objetos o edificaciones), y la otra a partir de la construcción de paños objetuales de látex. El cruce de estas dos series, por un lado, establecerá vínculos entre la parte antigua y la parte nueva del edifico; y, por otro lado, jugará con la función de los espacios en cuanto a cómo los percibe el espectador y desde dónde dirige la mirada. 




      Inauguración: Jueves, 11 de Abril - 7:00 pm.

      Charla/visita guiada junto a la artista y la curadora: Sábado, 13 de Abril - 12:00 pm

      Duración de la muestra: desde el viernes, 12 de Abril, hasta el jueves, 9 de Mayo.

      Horarios de atención: Martes a Viernes, de 10:00 am - 5:00 pm
      Sábados, de 11:00 am - 2:00 pm

       

    • Álvaro Herrera en la PRIMERA BIENAL DEL SUR EN PANAMÁ 2013

       

      Fuente: http://www.bienaldelsurpanama.com/indexprinci.htm

       

      En el marco de la celebración del Quinto Centenario del Descubrimiento del Mar del Sur, inicia La Primera Bienal del Sur en Panamá 2013: “Emplazando Mundos”, proyecto de carácter internacional que pretende vincularse a la agenda cultural de este país con la intención de estimular el desarrollo cultural y promover las nuevas tendencias de las artes plásticas y visuales.

      Esta primera edición de la Bienal pretende congregar la visión de diferentes ángulos: de la producción artística con sus autores, con las instituciones y con los diferentes públicos.

      Es disponer un campo de acción de vital importancia para reconocer, difundir y estimular la creatividad artística y promover las nuevas tendencias de las artes plásticas y visuales en el entorno cultural y urbano de esta región centroamericana, transformando de cierta manera el paisaje de la ciudad y sus escenarios y, en efecto, involucrar al espectador en permanente diálogo e interacción con estas prácticas estructurales.

      Dichas intervenciones estarán emplazadas a los procesos de carácter lúdicos e interactivos, a los proyectos de trabajo y participación de la comunidad, a las propuestas acceso a la tecnología y formas actuales de comunicación en un hábitat temporal de experiencias artísticas.

      Haciendo uso de la conveniencia geológica del país anfitrión, se resaltaría la cultura y el arte nacional, ganando el derecho de iniciativa de voces en los círculos formativos, desarrollando así la visión didáctica de los residentes locales.

      Conscientes de aunar patrimonio y tradición cultural, la Alcaldía de Panamá y Luz Botero, asesora para el desarrollo del Arte y la Cultura en esta Ciudad, asumen el reto de la creación y puesta en marcha de una plataforma en la que se integrará un Comité Organizador, Comités de Apoyo y un Comité Curatorial extranjero.

      Los seleccionados reflexionarán sobre la relación entre cuatro temas como Violencia, Economía, Agua, y Viaje, planteado por un jurado de altísimo grado de experticia e idoneidad en cada uno de los respectivos sectores de participación presentes para esta convocatoria.

      Haciendo uso de la conveniencia de la nación anfitriona, se ha extendido la invitación formal a las Embajadas y a sus representantes y funcionarios de cada país, al igual que a las Empresas del Sector Privado y distintas organizaciones internacionales para hacerlos partícipes, lo cual generará un alto nivel de promoción para los artistas.

      Vasco Núñez de Balboa, hace 500 años, descubrió para la humanidad el Mar del Sur. Por esto, hoy avistamos lugares que, intervenidos, aportarán para el mundo nuevas percepciones y nuevos espacios para un encuentro con la creatividad constructiva y la cultura.


    • Les informamos que el perfil de facebook de LA galería llegó a su límite de amigos permitidos. Es por ello que queremos invitarlos a entrar y seguir nuestra nueva página de facebook, dándole click a "me gusta."

       

      La intención de este gesto es migrar a todos los contactos que tenemos en el perfil de facebook de LA galería a la nueva página para que muchas más personas puedan ser partícipes de nuestras exposiciones y, en general, eventos. 

       

      Nueva página de facebook de LA galería

       

       

    • Carlos Castro. Imperio.

      Carlos Castro en COLOMBORAMA

       

      Fuente: http://www.arte-sur.org/es/inicio/colomborama-2/

       

      Febrero – Junio 2013
      Oslo, seis espacios differentes

       

      COLOMBORAMA es un proyecto multi plataforma curado por Marius Wang en colaboración con Olga Robayo y producido por TrAP. El proyecto quiere mostrar y llevar una selección de la escena de arte expansiva que se encuentra hoy día en Bogotá e insertarlo en Oslo. El proyecto se desarrolla en seis espacios diferentes y se realiza desde los finales de Febrero hasta finales de Junio de 2013.

      Los siguientes lugares hacen parte del proyecto de COLOMBORAMA: en Stenersenmuseet (28.2 – 5.5) se encuentra la muestra colectiva de BOGOTAPOLIS que presenta obras de los artistas:  Jaime Avila, Carlos Bonil, Elkin Calderón, Carlos Castro, Wilson Diaz, Miguel Kuan, Edinson Quiñones, José Alejandro Restrepo, Maria Isabel Rueda, Edwin Sánchez y Andrés Felipe Uribe. En el Tegnerforbundet (7.3 – 7.4) el artista Humberto Junca Casas tiene una muestra individual, luego en Dortmund Bodega se hará una muestra “Post-mortem” de lo que fue el espacio El Bodegon (2005-09). En Fotogalleriet (24.5 – 30.6) se hará una muestra individual de Angélica Teuta y en Podium (1.6 -15.6) Mauro Renato Benavidez desarrollará su proyecto Trashpical. A finales de Mayo también vendrá el colectivo de Hip-Hop Crack Family que hará un taller y un concierto en Rommen Scene. Adicionalmente, y paralelo a todos las muestras, El Parche Artist Residency, que viene operando en Bogotá desde el 2009, se tomará W17/Kunstnernes Hus como lugar para realizar una variedad de exposiciones, charlas, fiestas y otros intercambios culturales.

       

      Informaciones Prácticas

      BOGOTAPOLIS
      Stenersenmuseet
      Munkedamsveien 15
      0250 Oslo
      28.02 – 05.05.2013

      Damn Right! – Norwegian Wood?
      Tegnerforbundet
      Rådhusgaten 17,
      0158 Oslo
      07.03 – 07.04.2013

      EL BODEGON – Post mortem
      Dortmund Bodega
      Grønlandsleiret 55,
      Oslo Norway
      19.04 – 26.04.2013

      RE place / RE quest
      Fotogalleriet
      Møllergata 34
      N-0179 Oslo
      24.05 – 30.06.2013

      TRASHPICAL
      Podium
      Hausmannsgate 34,
      Oslo
      01.06 – 15.06.2013

      CRACK FAMILY
      Rommen Scene
      23.05 – 03.06.2013

      EL PARCHE ARTIST RESIDENCY
      W17/ Kunstnernes Hus
      Wergelandsveien 17,
      0167 Oslo
      15.02 – 30.06.2013

    • Conversatorio Andamios y columnas, con Andrea Acosta, Camilo Bojacá y Erika Martínez Cuervo. 

       

      El próximo jueves 21 de marzo a las 5:00 pm, en LA galería - arte contemporáneo, tendremos el placer de conversar junto a Andrea Acosta, Camilo Bojacá y Erika Martínez Cuervo sobre la exposición Andamios y columnas.

      Ese día, además, ¡estaremos rifando un andamio de Camilo Bojacá!

      Hora: 5:00 pm
      Lugar: LA galería Cll. 77 No. 12 - 03 Tel: (57 1) 4673348

      ENTRADA LIBRE



      Nos acompañarán: 

      Andrea Acosta 
      Camilo Bojacá 
      Erika Martínez Cuervo. 


      ¡Los esperamos!

    • Conferencia Adriana Marmorek: conversación con Carlos Salazar Arenas. 

       

      LA galería - arte contemporáneo desea invitarle a la conferencia Adriana Marmorek: conversación con Carlos Salazar Arenas que se llevará a cabo este próximo jueves a las 6:30 pm, en la Galería Gimnasiana del Gimnasio Moderno. Tendremos el placer de escuchar estos diálogos en torno a lo que la misma artista denomina como "la arquitectura del deseo", concepto que ha estado presente a lo largo de su carrera artística. 


      Hora: 6:30 pm

      Lugar: Galería Gimnasiana - Gimnasio Moderno - Dirección: Carrera 9 # 74-99

       ENTRADA LIBRE 


      Adriana Marmorek estudia comunicación social y se desempeñó laboralmente en publicidad y televisión; campos de donde, posteriormente, retomará elementos y conceptos para repensarlos desde la práctica artística. Se gradúa en el 2006 de la maestría de Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia. Su proceso escultórico se exhibe a partir del año 2000 en exposiciones colectivas e individuales en Bogotá, Quito, Nueva York, Miami, Buenos Aires y Bruselas. Su inicio en el arte parecen de un trabajo meticuloso en la escultura llevada al bronce. Su trabajo plástico se expande a otros medios como la fotografía, video e instalación concretando cada vez más su línea conceptual: "la arquitectura del deseo." 

    • Andamios y columnas

       

      Artistas:

      Andrea Acosta

      Camilo Bojacá

       

      Inauguración: jueves, 7 de marzo de 2013 - 7:30 pm

      Cierre: sábado, 13 de abril de 2013 - 3:30 pm

       

      Dos formas de arquitectura urbana. La vivienda como un constructo socio-cultural. La consolidación de una idea de progreso. La fragilidad de la estructura. Lo real y lo ficticio del discurso de la ciudad. Una crítica a las políticas de planeación. Las imágenes de una obsesión por el asfalto y el cemento. Lo recorrido y lo inventado. Estas son apenas algunas premisas que sugiere Andamios y Columnas de Andrea Acosta y Camilo Bojacá, quienes a partir de exploraciones y registros visuales de su ciudad han producido una serie de piezas que una vez montadas ponen en tensión los aspectos físicos y abstractos que “engendran” los proyectos de urbanización.

      La vivienda como edificación es centro de sus observaciones, Camilo ha puesto su mirada en los espaciosmultifamiliares y Andrea en los unifamiliares. Fenómenos que dan cuenta de dos tipos de habitantes diferenciados – básicamente – por su poder adquisitivo. El primer caso se refiere a esas construcciones regulares hechas de formas continuas acabadas y ajenas a experimentar cualquier tipo de metamorfosis, casas-apartamentos modelo. El segundo, a esas casas mutantes hechas por partes, donde la forma armónica no tiene lugar, donde pegotes de cemento unen un muro al otro y la “plancha” está terminada para “echar” el segundo o tercer piso.

      Ambas apuestas están pensando en el individuo como un ser que se adapta a las condiciones que le impone la ciudad, sin embargo, su imagen no aparece por ningún lado. El espectador experimenta la presencia de unas materias vivas y dramáticas atravesadas por un halo de ficción, donde las ideas primeras de ciudad moderna vuelven a asediarlos y les recuerdan aquellas  historias del cine y de la literatura que  advierten sobre el poder dominante de la metrópolis, el ente “ordenador” del espacio que habitan.

      Andrea y Camilo arman y desarman, proyectan y construyen, el dibujo estructura sus ideas, pero éste no es su única herramienta creadora, la experimentación con el video y la fotografía también entra en juego y una vez abandonado se toman el espacio y la superficie para crear formas indistintas donde andamios y columnas son protagonistas.

       

      [“Vamos a hacer ladrillos y a coserlos en el fuego. Vamos a construir una ciudad y una torre que llegue hasta el cielo. De este modo nos haremos famosos y no tendremos que dispersarnos por toda la tierra”recita un fragmento del Capítulo 11 del Génesis en la Biblia, hace referencia a los orígenes de Babilonia, cuya edificación emblemática fue su torre. La ciudad imposible y maldita que nunca terminó de ser construida, que resultó una mutación arquitectónica, un monstruo hecho de ladrillos.]

       

      Erika Martínez Cuervo

      Crítica de arte e investigadora

       

       

    • Maqueta Matrioshka-Germania Diciembre de 2012. 

      TRAS LAS HUELLAS DEL MITO GERMANIA

      Un proyecto de Elfi Müller y Edgar Guzmanruiz

       

      Tras las huellas del mito Germania es un proyecto artístico sobre “palimpsestos” urbanos en el distrito gubernamental de la ciudad de Berlín. Se trata de la “Capital del mundo”, la ciudad planeada y nunca construida por el arquitecto de Hitler (Albert Speer), que refleja la ideología destructiva y la relación entre poder y arquitectura del nacionalsocialismo.

      El proyecto consta de dos partes: una material basada en un Modelo-Matrioshka Germania, y una performática compuesta por Días de Proyecto.

      El modelo hace visible la "superposición" de las construcciones proyectadas para Germania sobre los edificios del distrito gubernamental actual.

      La base de los Días de Proyecto son "Guías de arquitectura" de carácter performático en las que se busca que mediante palabras e imágenes, los principales "edificios" de Germania se puedan experimentar. Las guías son acompañadas por Experienciaciones espaciales, elaboración de mapas cognitivos y una mesa redonda sobre el tema.

      A partir de la arquitectura presente se logra percibir una arquitectura ausente:

      Es Germania mito o realidad?

       

      Instalación y Performance

      Lugar: Akademie der Künste, Pariser Platz 4, Berlín, Alemania

      Fecha: Septiembre 7 a Octubre 6 de 2013 

       

      Auf den Spuren des Mythos Germania

      Ein Projekt von Elfi Müller und Edgar Guzmanruiz

       

      Auf den Spuren des Mythos Germania ist ein Kunstprojekt über urbane „Überlagerungen“ im Berliner Regierungsviertel. Es setzt sich mit der geplanten „Welthauptstadt Germania“ von Albert Speer auseinander, insbesondere ihrer zerstörerischen Ideologie und der Machtposition ihrer Architektur.

      Das Projekt besteht aus zwei Teilen: Einer materiellen Umsetzung anhand eines „Matrioshka-Modells“, sowie mehrerer Projekttage mit performativem Charakter.

      Das Modell visualisiert die "Überlagerung" der geplanten Baukörper für Germania über dem heutigen Regierungsviertel.

      Grundlage der Projekttage sind performative „Architekturführungen“, in denen durch Wort und Bild die wichtigsten „Gebäude“ Germanias erfühlt werden. Die Führungen werden von Raumerfahrungen, der Erarbeitung von kognitiven Karten und einer Gesprächsrunde begleitet.

      Aus einer anwesenden wird eine abwesende Architektur erfahrbar gemacht:

      Ist Germania Mythos oder Realität?

       

      Installation und Performance

      Ort: Akademie der Künste, Pariser Platz 4, Berlin, Deutschland

      Datum: 7. September - 6. Oktober 2013 

       

    • Kinesthetics Image

       

      Adriana Salazar en  Pratt Manhattan Gallery Kinesthetics: Art Imitating Life. Exposición colectiva.


      Fuente: 

      http://www.pratt.edu/news/view/group_exhibition_of_moving_hybrid_sculptures_to_be_presented_at_pratt_manha/


      Pratt Manhattan Gallery will present "Kinesthetics: Art Imitating Life," a group exhibition featuring sculptures that move with elegant and articulated gestures (opening reception 2/7 from 6-8 PM, event details below). The exhibition, which explores the aesthetics of movement and includes kinetic sculptures that echo the movement of natural form and human experiences, is free and open to the public. The hybrid sculptural works on display--which combine elements from the natural world with mechanical parts such as wires, motors, strings, pulleys, hydraulics, and high tensile fabric--are powered by hand, plug-in electricity, and solar cells.
       
       "Each artist's sculpture reveals a kind of persona that evolves over time. We as viewers start to assign life-like attributes to the works and they begin to transcend their artificiality," said Linda Lauro-Lazin, co-curator and adjunct associate professor, Department of Digital Arts, Pratt Institute.
       
      The work on display in "Kinesthetics" includes morphing sculptures, moving wall reliefs, animated robotic works, and drawings and video from a group of established and emerging artists. Participating artists include Alan Rath and Chico MacMurtrie along with U-Ram Choe, Casey Curran, Reuben Margolin, Meridith Pingree, Adriana Salazar, Bjorn Schulke, Chei Wei Wang, and Zimoun. Some works examine movement in nature by re-animating specimens of plant and animal forms and by tapping into our culture's anxiety and fascination with technology. Others mimic human creative endeavors such as mark making and sound making, and replicate everyday tasks such as tying shoe laces.      
       
      "Kinesthetics" is curated by Linda Lauro-Lazin and Nick Battis, director of exhibitions, Pratt Institute.
       
      Add Pratt Manhattan Gallery on Facebook, follow Pratt exhibitions on Twitter, and please visithttp://www.pratt.edu/exhibitions for more information. 

      "Kinesthetics: Art Imitating Life"
      February 8-April 27, 2013
      Pratt Manhattan Gallery
      144 West 14th Street, Second Floor
      Gallery Hours: Monday--Saturday, 11 AM-6 PM; Thursdays, 11 AM-8 PM
      Opening Reception: Thursday, February 7 from 6-8 PM

      Images from Left to Right: Reuben Margolin's The Round Wave, Bjorn Schulke's Spider Drone #2, and Alan Rath's Lala ZaZa. Image Credits from Left to Right: Courtesy Reuben Margolin; Photo by John Berens, Courtesy Bitforms Gallery, New York; and Courtesy Alan Rath and Hosfelt Gallery, San Francisco.

       

      Fecha: 27 de abril de 2013.
       Lugar: Pratt Manhattan Gallery, 144 West, 14th Street,Second floor, New York, USA

    • Adriana Salazar, Moving Plants No. 27, 2012, Motors and dried plants, Dimensions Variable

      Adriana Salazar exponiendo en Transicional en la Galería Sicardi (Houston, Texas) y curada por María Iovino. 

      24 de enero, 2013 - 16 de marzo, 2013. 

       

      Fuente: 

      http://www.sicardi.com/exhibitions/2013-01-24_transitional-curated-by-mara-iovino/exhibitions-artist-works/#7

       

      Transitional: Curated by María Iovino María Isabel Arango, Teresa Currea, Cesar González, Diana Menestrey, Nicolas Paris, Andrés Ramírez Gaviria, Luisa Roa, Adriana Salazar

       

      Sicardi Gallery is pleased to present Transitional, an exhibition of works by eight Colombian-born artists that obliquely yet radically re-interpret the tradition of art in Latin America using drawing, installation, video and sculpture. Despite innumerable options with regard to new approximations of the image, these artists collectively divulge significant strategies about the motives that drive artistic explorations in an ever-changing sociopolitical context.  A text by María Iovino, exhibition curator, will accompany the show.  

       

      In presenting this particular grouping of works, which includes drawings, sculpture, sound and video, curator Maria Iovino posits a philosophical and aesthetic break with tradition, suggesting that the basis of this turn is rooted in technocratic aspects of locality. Further, she suggests that the dissolution of traditional centers of power announced at the advent of postmodernism has finally been realized, but this is just the beginning: despite their versatility and poetics, this work reflects an approach to mark making in which the present is a moment in transition—a precursor to powerful forms of expression yet to be.

       

      For more information, contact Sicardi Gallery at info@sicardi.com or visit or website at www.sicardigallery.com.

       

       

       

    • Adriana Salazar entre los 32 artistas invitados por el Orange County Museum. 

       


      Fuente:

      http://www.latimes.com/entertainment/arts/culture/la-et-cm-orange-county-museum-names-triennial-artists-20130128,0,881766.story


       

      Orange County museum names 32 triennial artists from Seoul to San Francisco

      Who’s afraid of the big, broad biennial? Not Dan Cameron, who organized ambitious exhibition events like Prospect New Orleans before becoming chief curator at the Orange County Museum of Art last year.

      Now, his first big group show in his new job is shaping up to be a global mash-up shaped by seismic geopolitical undercurrents. Called the California-Pacific Triennial, the show features 32 artists from 15 countries that border the Pacific Ocean.

      This show replaces the California Biennial, a regular museum attraction that often promised more than it delivered, and the new project has a more sustainable every-three-years schedule.

      On Monday the museum is releasing its list of artists chosen for the first show, running June 30 through Nov. 17.

      The L.A. contingent: Brice Bischoff, Farrah Karapetian, Danial Nord, Mitchell Syrop, Koki Tanaka, Mark Dean Veca and Robert Legorreta.

      Completing the U.S. list are John Bankston and Camille Utterback from San Francisco and Akio Takamori and Whiting Tennis from Seattle.

      There are also artists hailing from various points in Latin America and Asia as well as Canada:

      --Fernando Bryce from Lima, Peru

      --Masaya Chiba from Tokyo

      --Tiffany Chung from Saigon

      --Hugo Crosthwaite from Tijuana

      --Gabriel de la Mora, Pedro Friedeberg and Yoshua Okon from Mexico City

      --Dario Escobar from Guatemala City

      --Shaun Gladwell and Raquel Ormella from Sydney

      --Kim Beom and Kimsooja from Seoul

      --Michael Lin from Shanghai

      --Liz Magor from Vancouver, Canada

      --Eko Nugroho from Yogyakarta, Indonesia

      --Sebastián Preece from Santiago, Chile

      --Araya Rasdjarmrearnsook from Chiang Mai, Thailand

      --Adriana Salazar from Bogota, Colombia

      --Lin Tianmiao and Wang Guangle from Beijing

      --Adán Vallecillo from Tegucigalpa, Honduras

      These artists work in a variety of mediums, so it’s hard to predict particular threads or themes in advance. But one thing is clear: With almost three-quarters of the artists over the age of 40, this is not a speculative sort of showcase for hot young things.


    • Terreno Anhelo

      Primera exhibición del año que contará con la participación del Colectivo Maski. 

      Inauguración: 
      Jueves 31 de enero de 2013 - 7:30 p.m. 

      Colectivo Maski:
      Jairo Suarez
      Camilo Ordóñez Robayo
      Juan David Laserna

       

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        Terreno Anhelo

        Primera exhibición del año que contará con la participación del Colectivo Maski. 

        Inauguración: 
        Jueves 31 de enero de 2013 - 7:30 p.m. 

        Colectivo Maski:
        Jairo Suarez
        Camilo Ordóñez Robayo
        Juan David Laserna

         

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      Terreno Anhelo

      Primera exhibición del año que contará con la participación del Colectivo Maski. 

      Inauguración: 
      Jueves 31 de enero de 2013 - 7:30 p.m. 

      Colectivo Maski:
      Jairo Suarez
      Camilo Ordóñez Robayo
      Juan David Laserna

       

      Ahí quedan los ladrillos

      No son nuevos, el paisaje, el color, la textura o el entramado que la particular materia del ladrillo ha logrado constituir en esta ciudad, pieza básica que atraviesa el tejido urbano, el intercambio económico, las producciones artesanal e industrial, el diseño, y de una extraña manera, la historia de un territorio construido simbólica y materialmente desde la colonia y estilizado gracias a diferentes manifestaciones de la arquitectura moderna. Esta unidad mínima de expresión arquitectónica, fue por momentos el objeto de experimentos creativos que darían como resultado la asimilación de estilos foráneos que como el Tudor, abrieron la posibilidad de construir bajo la influencia de una nueva arquitectura en Bogotá barrios como: Santa fé, quinta Camacho y Teusaquillo; y que en torno a la propiedad horizontal de uso domestico y habitacional característico de los años 70`s, fundo el estereotipo de vivienda que abarca desde proyectos  de “de interés social” hasta las urbanizaciones de mayor costo por metro cuadrado.

       

      En su recorrido desde los chircales, el ladrillo cimenta esta ciudad, empezando por los andenes que soportan museos, bibliotecas, colegios, casas y torres que se convierten rápidamente en hitos arquitectónicos. La especificidad de la materia apoya la metáfora de un anhelo que hoy está sujeto a la construcción del  futuro.  La relación existente entre la necesidad de “tener casa”, la necesidad de “construir vivienda” y movilizar la economía,  se materializan en la certeza de invertir en finca raíz. Asumir el riesgo de  una deuda no solo demuestran nuestra continua búsqueda de bienestar y seguridad en la materialidad, sino además las maneras en las que esta materialidad es luego capitalizada por una promesa publicitaria, explotada como especulación inmobiliaria, y finalmente legitimada como propiedad. Quienes eventualmente se hacen a una fracción del sueño, ven su esfuerzo recompensado en el valor de un grupo de ladrillos sujetados.

       

      El ladrillo, que paradójicamente no es más que un pedazo de tierra, ha dejado una huella en el imaginario de la propiedad pública y privada que enmarca la construcción social de Bogotá. Difícilmente entendemos el ladrillo en su dimensión política como una suma, al contrario, victima de su apariencia tan poco espectacular, requiere de atenciones especiales para hacerle estético en cuanto funcional, y sin embargo es a partir de un material tan precario y simple en su fabricación, que se estructuran tanto el mercado como el espacio, la apariencia, la esperanza y porque no el muro que los protege a todos ellos.  

      Colectivo Maski

       

    • Navidad de Navidades…

      Curaduría: Paloma Nicolás

      Con la participación de: Juana Anzellini, Sebastián Arriaga, Camilo Bojacá, Carlos Castro, Laura Ceballos, Rafael Díaz, Juan Pablo Echeverri, Lorena Espitia, Sebastián Fierro, Nicolás Gómez, Ed. de Mentiras, Sara Milkes, Santiago Monge, Gustavo Niño, Andres Matías Pinilla, Alex Rodríguez y Javier Vanegas.

      Inauguración: Jueves 13 de diciembre de 2012 – 7:30 p.m

      Cierre: Sábado 13 de enero de 2013 – 3:30 p.m

       

       

      LA galería – arte contemporáneo se complace en presentar Navidad de Navidades…, una curaduría de Paloma Nicolás, con la participación de los artistas Juana Anzellini, Sebastián Arriaga, Camilo Bojacá, Carlos Castro, Laura Ceballos, Rafael Díaz, Juan Pablo Echeverri, Lorena Espitia, Sebastián Fierro, Nicolás Gómez, Ed. de Mentiras, Sara Milkes, Santiago Monge, Gustavo Niño, Andres Matías Pinilla, Alex Rodríguez y Javier Vanegas.

       

      A tono con la celebración, en la inauguración la noche del jueves 13 de diciembre, rifaremos una ancheta navideña creada colectivamente por los artistas participantes.

       

      LA galería – arte contemporáneo aprovecha la ocasión para desearles a todos una Feliz Navidad y un próspero año nuevo, y para celebrar de manera festiva la despedida de un año más y la llegada del 2013.

       

       

      Navidad de Navidades, todo es Navidad

       

      Benignísimo Dios de infinita caridad, que tanto amasteis a los hombres, que les disteis en vuestro hijo la prenda de vuestro amor, para que hecho hombre en las entrañas de una Virgen naciese en un pesebre para nuestra salud y remedio; yo, en nombre de todos los mortales, os doy infinitas gracias por tan soberano beneficio, de recordar una vez al año que el tiempo pasa.

       

      ¡Misterio sublime!

       

      Llega diciembre con su alegría para hacer evidente que se pasó otro año en un abrir y cerrar de ojos. Momento de recapitulaciones, arrepentimientos y propósitos de cambio (que rara vez se cumplen al año siguiente). Para Scrooge, protagonista del cuento de Charles Dickens e ícono navideño (Grinch rehabilitado), es “el momento de darte cuenta de que eres un año más viejo y ni una hora más rico”. Trampa del tiempo y de la repetición, cada veinticinco de diciembre volvemos a celebrar el suceso atemporal del nacimiento de Jesús, al tiempo que se recuerda su ausencia (y la de tantos otros). Palabras sabias de Rodolfo Aicardi: “Navidad que vuelve, tradición del año, unos van alegres y otros van llorando”.

       

      ¡Ay, que bella es la navidad!

       

      En su decimonónico Cuento de Navidad, Dickens expone con nostalgia victoriana los males del capitalismo industrial en tiempos navideños. Estos mismos males serían posteriormente encarnados por el bonachón Marx vestido de rojo Coca-Cola que conocemos como Papá Noel, apropiación gringa del San Nicolás escandinavo, piadoso obispo de Mira reencauchado desde el siglo IV. Personaje estricto y riguroso en su método de selección de niños alfabetizados y virtuosos, merecedores de regalos, que garantiza una sencilla moral de la retribución tan sagrada como capitalista y deja a más de uno preguntando ¿Mamá, dónde están los juguetes?

       

      ¡Ay, que bella es la navidad!

       

      Y aunque la Navidad pille a algunos mejor que a otros, celebra y evidencia la inutilidad de los placeres mundanos y de las posesiones materiales, la vanidad de las apariencias y la fragilidad de la vida ante la certeza del paso del tiempo y la inminencia de la muerte, tan igual para todos. Por ahora, celebremos con rocola y bodegones de buñuelos, natilla, tamales, cariñoso y aguardiente un año que viene y otro que se va.

       

      ¡Ay, que bella es la navidad!

      Paloma Nicolás

    • Noche de Galerías

      Jueves 6 de diciembre

      Los esperamos para ver la exposición Abajo, en la tierra, una curaduría de Ana María Lozano, con la participación de: María Buenaventura, Alexandra Gelis, Eulalia de Valdenebro y Leonel Vásquez.

    • HOY a las 5:30pm: Conversaciones en torno a "Abajo, en la tierra"
      Con la participación de Ana María Lozano, María Buenaventura, Eulalia de Valdenebro y Leonel Vásquez
      Los esperamos!

    • LA galería - arte contemporáneo, tiene el gusto de invitarlos a nuestro booth C-05 en la feria de PINTA NY, del 15 al 18 de noviembre, donde estaremos presentando obras de los artistas Carlos Castro, Rodrigo Facundo, Carlos Herrera, Livia Marín, Adriana Marmorek, David Peña y Adriana Salazar.

      Para más información sobre la feria PINTA NY:
      http://www.pintaart.com/newyork/index.php

    • Abajo, en la tierra
      Curaduría: Ana María Lozano
      Con la participación de:
      María Buenaventura, Alexandra Gelis, Eulalia de Valdenebro y Leonel Vásquez.
      Inauguración: Jueves 8 de noviembre de 2012 – 7:30 p.m
      Cierre: Sábado 8 de diciembre de 2012 – 3:30 p.m

      LA galería – arte contemporáneo se complace en presentar Abajo, en la tierra, una curaduría de Ana María Lozano, con la participación de los artistas María Buenaventura, Alexandra Gelis, Eulalia de Valdenebro y Leonel Vásquez.

       

      Abajo, en la tierra

      Esta muestra presenta el estado de la investigación de la obra de cuatro artistas, que desde diversos ejes tratan las tensiones, ajustes y desajustes entre los humanos y los no humanos, en específico lo vegetal. En ese territorio terriblemente disputado, se cuecen temas económicos, políticos, filosóficos, sociales, de propiedad intelectual, de derechos territoriales, de saberes ancestrales.

      Leonel Vásquez en su proyecto presenta a una mujer que le canta a una dormidera. El arrullo en el tono, en la letra calma, tranquiliza, pero cruelmente, exhibe e intercala la amenaza.

      A este escenario de fronteras móviles, de intereses creados entre naciones, multinacionales, culturas y espacios, se enfrenta una mano desnuda que sostiene una semilla. Es una mano que siembra y ha sembrado por centurias siguiendo un saber, un profundo conocimiento relacional y contextual. Esa mano ha modificado semillas, las ha mejorado. Siglos de domesticación americana dieron como resultado una mazorca de grano grande cuando su inicio fue el de una espiga como las que tiene el pasto común. Las formas de co-intervención con lo vivo, entre lo humano y lo no humano, pueden generar la multiplicación de lo diverso, la aceptación de lo singular, de lo inestable. La selva amazónica posee zonas biodiversas, resultado de la colaboración entre pájaros, simios, insectos, plantas y humanos. Ante nuestros ojos urbanos, esas zonas son pura manigua y en realidad son huertas, jardines resultantes de intervención simbiótica. Pero también esa intervención puede trasladar una planta de un hábitat a otro, de un clima a otro y producir una variedad inesperada, agresiva y dañina, conduciendo a una catástrofe ambiental. Es el caso de la denominada “Paja canalera” que estudia Alexandra Gelis; planta originaria del sudeste asiático, forzadamente sembrada en Panamá en el marco de un programa de mejoramiento genético, y hoy invasiva e imparable.

      Un arrullo es una letanía, como las letanías de muerte. Va y viene la voz, espasmódicamente, obsesivamente. El arrullo continúa y la planta se recoge.

      La semilla es la potencia, la simbiosis, es una posibilidad; es la manera de interactuar, es diversa. Los ejercicios de poder que llevan a cabo las multinacionales en procura de controlar uno de los campos más apetecibles hoy día en términos de lucro, el control alimentario, está siendo regimentado desde la misma información genética, desde los derechos de autor y los regímenes de patentes, desempoderando saberes viejos, culturas vernáculas, conocimientos ancestrales. La persecución a semillas inestables, ahora criminalizadas y tratadas como peligrosas, empezó ya en el país sin que ninguno de nosotros nos estemos dando cuenta. De allí, el trabajo de resistencia de los custodios de semillas. Ante el control de las semillas, su respuesta es poner a circular y a reproducirse las semillas perseguidas. Ese es el tema que aborda María Buenaventura, quien viene trabajando con redes de custodios de semillas en Cundinamarca, en Boyacá y en Argentina. Siguiendo la misma preocupación se encuentra el trabajo de Eulalia de Valdenebro: sus ilustraciones botánicas contraponen el lenguaje de la vida, de lo mudable, de lo cambiante, al lenguaje empleado por el estado y las corporaciones, donde nociones como las de estabilidadsistematización y homogeneidad se quieren imponer desde los intereses económicos y la búsqueda de la monopolización.

      La mimosa se recoge, es ya apenas una línea.

      Ana María Lozano

    • Esta noche: NOCHE DE GALERÍAS


      Los esperamos para ver la exposición "Régimen de Luz y Sombra" de Rodrigo Facundo

    • Este martes 30 de octubre, Carlos Castro en Diálogos Críticos: Una socialización del Proyecto de Circulación, beca del Ministerio de Cultura 2012.

      Salón TM 202
      Universidad de los Andes, Bogotá

    • En el marco de la Feria Internacional de Arte de Bogotá - artBo 2012, LIA - Laboratorio Interdisciplinario para las Artes y LA galería - arte contemporáneo, se complacen en presentar la exposición colectiva Tránsitos. En esta muestra se exhiben los resultados de los procesos en los que vienen trabajando ciertos artistas cercanos, de manera que permite al público incursionar en el universo plástico de cada uno de ellos.

       

      Los artistas son:

      Alvaro Herrera
      Adriana Marmorek
      Adriana Salazar
      Carlos Castro
      David Peña
      Edgar Guzmanruiz
      Eulalia de Valdenebro
      Francisco Klinger Carvalho
      Luis Carlos Tovar
      Nancy Friedemann
      Nicolas Cárdenas
      Rodrigo Facundo

       

      Del 19 al 24 de octubre de 2012

      Horario: 11am - 7pm

       

      LIA Lab - Calle 12B # 2-71, Candelaria, Bogotá

       

    • “Régimen de luz y sombra”
      Rodrigo Facundo
      Inauguración: Jueves 4 de octubre de 2012 – 7:30 p.m
      Cierre: Sábado 3 de septiembre de 2012 – 7:00 p.m

      LA galería – arte contemporáneo se complace en presentar “Régimen de luz y sombra”, muestra individual del artista colombiano Rodrigo Facundo.

       

      Régimen de luz y sombra

      La imagen ejerce un dominio inmaterial en nuestra mente, somos seres visuales. De la imágenes que rigen nuestros deseos y necesidades, vamos conformando una mitología que permea nuestra vida interior. De la luz y la sombra, material del cual está hecha la imagen, se ha conformado una gramática compuesta de imaginarios; arquetipos de la representación. El paso inexorable del tiempo, implícito en toda imagen, divide su presencia en luz y sombra, muerte y vida. En las manifestaciones y representaciones de "los rostros del tiempo" la espada del héroe se alza contra la amenaza de la oscuridad y el caos. El día y la noche rasgados por un sable, una flecha, una lanza; la lanza del bien contra el mal, de la luz contra la oscuridad. San Jorge rescata la princesa de las tinieblas, hiriendo al dragón con su lanza. El torero, con su traje de luces, mata al toro negro con su espada. Las imágenes dan cuenta de la historia de esta lucha contra la alteridad, de este conflicto que se genera entre las diferencias.

       

      Rodrigo Facundo nace el 26 de octubre de 1958 en Ibagué, Colombia. En1982 a 1985 realiza talleres artísticos en la Universidad de los Andes en Bogotá, Colombia. En 1987 obtiene el B.F.A. en Pintura en la Universidad de Illinois, Champaign, EEUU, y desde este año hasta 1890 obtiene el M.F.A. en Pintura en la misma universidad. Obriene en 1992 el premio en el V Salón Regional realizado en Corferias en la ciudad de Bogotá, y en 1998 obtiene mención en el premio Luis Caballero realizado en el Planetario Distrital de la misma ciudad. Ha participado en exposiciones individuales, colectivas y bienales a nivel nacional e internacional. Sus obras hacen parte de colecciones como la Biblioteca Luis Ángel Arango y el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, Colombia, Patricia Phelps de Cisneros y Brondesbury Holdings Ltda de Caracas, Venezuela.

    • Noche de Galerías
      Jueves 4 de octubre

       

      En el recorrido no se pierdan la inauguración de "Régimenes de Luz y Sombra", exposición individual de Rodrigo Facundo
      7:30pm

      LA galería

    • Carlos Castro en "Nuestro Sitio - Artistas de America Latina"


      Museo de Artes Visuales - MAVI

      Santiago, Chile

    • Francisco Klinger en "Fragmente"

      Stadtgalerie Mannheim

      Mannheim, Alemania

    • Sustratos, o cómo olvidar el color HD

      Hace aproximadamente una década entramos con ansiedad  a vivir en una edad post-fotográfica, una era en la que temíamos que el simulacro y la hiper-realidad nos superaran. Hoy nuestros temores a perder relación con lo tangible han sido superados por  hechos como el emblemático 11-S o el reciente caso del caníbal de Miami, en los que la realidad probó ser irrevocable.

      Sin embargo, esta era post-fotográfica evidentemente transformó nuestra relación con el medio convirtiéndonos a todos en fotógrafos, animándonos a producir, compartir y celebrar un superávit de imágenes logradas a través del medio que Andy Warhol considerara el más íntimo, el teléfono.

      Los proyectos presentes en Sustratos se apoyan en el medio fotográfico pero curiosamente evaden a la fotografía digital y a una posible y predecible crítica a ella. Tanto Javier Vanegas con sus ambrotipos, como Juan Carlos Delgado con sus serigrafías sobe placas metálicas han decidido regresar al tipo arqueológico básico de la imagen foto-mecánica, el tatuaje lumínico que mancha con precisión una tajada de realidad sobre una superficie escogida. Un pasado-paisaje congelado en hielo tan siniestro como el laberinto del hotel de la película The shinning de Stanley Kubrick, en el caso de Delgado, o una serie de fantasmas atrapados en elegantes cajas negras en el caso de Vanegas.

      Pareciera que ambos artistas quieren llevar a la fotografía al límite, renovando los trucos cuasi alquímicos para obtener algo más que una imagen,  ya sea por medio de la ya mencionada congelación de placas donde hay imágenes impresas o bien por la laboriosa realización de ambrotipos, impresiones logradas en placas de vidrio mediante lentos procesos químicos en desuso desde hace al menos 100 años. A la vez, tanto Vanegas como Delgado han decidido valerse de ciertos cánones visuales decimonónicos para representar. En el caso de Vanegas en el retrato frontal, tradición que se remonta a la antigüedad clásica y que aún hoy es el sistema de codificación válido para autenticar y validar la identidad personal. Para Delgado son las molduras neoclásicas que se encuentran en todo Occidente y que encontraríamos tanto en el Louvre como en alguna olvidada edificación bogotana.

      Para ambos artistas estas estructuras canónicas son las que definen el espacio discursivo, el lugar en el que la cosas suceden. El tema y el escenario donde esta historia de espectros, apariciones y congelamientos sucede. Y es que si algo parece esta exposición, aparte de un laboratorio de experimentos con la apariencia material -sílice, carbón, látex- en el caso de Vanegas, -esmalte, aluminio, hielo, sal- en el caso de Delgado, es un film de ficción-terror donde lo fantástico habita: Catorce albinos que duermen bajo una tempestuosa luz de luna, y un living donde tazas de latón crecen como hongos y cuadros de los que brota hielo. Es el fin del color en la era de la alta definición, el recalentamiento global de la imagen en pantalla.

      Santiago Rueda Fajardo

    • “Sustratos”
      Juan Carlos Delgado
      Javier Vanegas
      Inauguración: Jueves 30 de agosto de 2012 – 7:30 p.m
      Cierre: Sábado 29 de septiembre de 2012 – 7:00 p.m

      LA galería – arte contemporáneo se complace en presentar “Sustratos”, muestra conjunta de los artistas Juan Carlos Delgado y Javier Vanegas, quienes presentan miradas particulares sobre la fotografía como medio.

      La fotografía, invento del siglo XIX, es heredera de mecanismos ópticos utilizados por los pintores de los siglos XVI y XVII, como la cámara oscura, con la posibilidad adicional de fijar imágenes por medios químicos. Es entonces la huella luminosa emitida por un cuerpo, que perdura en el tiempo gracias a la sensibilidad a la luz de los haluros de plata. Por un lado, ofrece un tipo de representación (que hace presente una ausencia) relacionada directamente con la necesidad fundamental de escapar a la inexorabilidad del tiempo. Por otro, sus características técnicas y materiales permiten la exploración tanto en términos de soportes como de procedimientos. Así, se producen sustratos tanto temporales como materiales que combinan capas de significado y memoria a partir del rastro y del depósito fotográfico. Para Roland Barthes, en la fotografía se mezclan siempre “valores y usos más o menos personales, íntimos, sentimentales, amorosos, nostálgicos, mortíferos, etcétera – usos siempre fraguados en los juegos del deseo y de la muerte”. A la vez que la fotografía lucha contra la muerte y la ausencia, por la preservación de las apariencias y la fijación de un instante, su prolongación en el tiempo muestra como éste pasa; es, de alguna forma, un memento mori y muestra lo que ha sido y no será más. La imagen fotográfica ocupa siempre el lugar de una ausencia, remite a una realidad diferida, siempre en pasado.

      Los artistas Javier Vanegas y Juan Carlos Delgado no se limitan a las particularidades de la fotografía como representación, y utilizan a conciencia las posibilidades de ésta en términos materiales. Sus proyectos fotográficos tienen en común la exploración de los procesos inherentes al medio: Vanegas experimenta en sus Ambrotipos con la utilización de procesos y soportes tradicionales, aunque olvidados en las prácticas contemporáneas, que producen contraste y permiten la aparición y desaparición fantasmagórica de sus retratos. Por su parte, Delgado hace uso de las posibilidades de reproducción de la fotografía para sus impresiones serigráficas sobre láminas de acero, que remiten a los temas clásicos establecidos por la Historia del Arte, transformados por medio del congelamiento y el paso del tiempo.

    • Adriana Salazar en la Semana del Sonido

      Sala de Exposiciones, Facultad de Artes Universidad Francisco José de Caldas – ASAB. Carrera 13. No. 14-69
      Del 3 al 7 de septiembre
      10:00 a.m. a 5:00 p.m.
      Curador: Humberto Junca

      http://www.fonoteca.gov.co/index.php/home/nuestra-fonoteca/item/388-colombia-celebra-por-primera-vez-la-semana-del-sonido

       

    • Tres Proyectos: Georgina Bringas, Ricardo Rendón y Adriana Salazar. Del 2 de agosto al 6 de septiembre en la Fundación Teatro Odeón - Cra 5 # 12 C-73, Bogotá, Colombia

    • LA galería - Arte Contemporáneo se complace en anunciar su participación en PINTA LONDON 2012, que se llevará a cabo del 7 al 12 de junio.

    • Artículo en el periódico El Mercurio de Chile, sobre la muestra "Nuestro Sitio: Artistas de América del Sur"

    • Carlos Castro participa en la muestra "Nuestro sitio: Artistas de América del Sur", curada por Beatriz Bustos, que se inaugurará el 5 de mayo 2012  en el Museo MAC NITEROI, Rio de Janeiro, Brasil.

    • Adriana Salazar presenta su muestra individual  La vida de las cosas muertas, que se inaugurará el 3 de mayo de  2012 en el espacio cultural La Miscelánea, en Ciudad de México.

    • Adriana Marmorek participa en la muestra La esencia de todas las cosas , del 10 al 31 de marzo 2012 en la Primo Piano LivinGallery en  Lecce, Italia.

    • Adriana Salazar - "Los Impolíticos" - Curaduría: Laura Bardier - Feb 16, 2012 - Abril 29, 2012- Espacio de Arte Contemporáneo (EAC), Montevideo, Uruguay.

    • Adriana Salazar -Trivialities and Common Places- Nov 26, 2011 - Feb 26, 2012- Sandra Montenegro -Contemporary Art- Miami, Florida.

    • Edgar Guzmanruiz -Proyecto  Vórtice en el programa ALBO -Casa de la Música en Medellín- 25 de noviembre 2011 a abril 2012.


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